Una butaca en paraíso. Blog de ópera

Iolanta y Perséphone

2012-01-24T10:17:00.004+01:00

Doble programa en Madrid: Iolanta de Tchaikovski vs. Perséphone de Stravisnki.

Bien.

Iolanta empieza como un cuento de Grimm y acaba como una misa de Rouco.

Iolanta es una princesa que no sabe que es ciega pero gracias al amor verdadero recupera la vista. Qué Disney es todo, ¿no? Pues no, porque el libretto se empieza a meter en berenjenales místico-religiosos que la verdad asustan un poco.

Cortapegando de un artículo leído: Iolanta es una metáfora de la necesidad de la verdad para alcanzar de la luz interior el arma del amor para vencer a la oscuridad. Pero la verdad y el amor poco podrían sin la voluntad de Dios, que es la misma Luz de origen, así que la obra se convierte en un canto a la existencia de Dios y una reverencia ante su infinita gloria.

A mitad del dúo de amor el texto de la ópera empieza con que la luz es lo primero que nos dio el Creador, y ya me estaba yo imaginando delirios cristianos de Tchaikovski hacia el final de su vida. Que a muchos homosexuales torturados les da por la vena religiosa. Y luego va y aparece un coro a capella de angelitos hablando de la Santísima Trinidad que me dejó totalmente descolocado, porque rompe toda la progresión argumental de la ópera y además queda como un pegote total.

Me quedé a cuadros. Y es que resulta que en esta Iolanta de Madrid se ha añadido en mitad del tercer acto un salmo que compuso Tchaikovski, acentuando toda la parte mística de la obra pero también desvirtuando toda la carga dramática. Y dramatismo no es algo que a Iolanta le sobre, precisamente.

Pues señores, si añaden, háganlo bien, no con esos silencios cortarrollo de antes y después del coro. Y ya puestos, por favor un Zeffirelli que me saque un triángulo amarillo con su ojo, sus rayos, sus nubecitas y sus querubines con alitas para ilustrar un poco. En fin.

Salvando el pegote, que sólo sirve para comprobar lo bien que funciona el coro, Iolanta tiene una música preciosa con muchas reminiscencias a Onegin pero sin su pegadizo melodismo. El dúo de amor es tremendo.

Correctos los cantantes aunque todos con el tipo de voz eslava esa que parece que sale de muy atrás. Buena prestación de Veronika Dzhioeva como la prota, un puntito falta de brillo. Cumplidor Popov como Vaudémont y una alegría comprobar que Willard White sigue en activo con papeles que todavía le van.

La orquesta, irregular. Había momentos en los que parecía que se iba a arrancar por fin, pero luego caía en letargos. Sonó muy bien, pero no me ha gustado mucho la dirección, un poco morosa de más. Por no hablar de que el director musical, Currentzis, ha sido el artífice de meter el pegote del salmo.

La puesta en escena les ha debido de salir barata, salvo traer a Sellars y comprarle tres collares en Accesorize, claro. Porque vamos, la escenografía parece comprada esta misma semana en el Leroy & Merlin: tres marcos de puerta, cuatro piedras de jardín, dos focos y cuatro telones con manchas así como de aerógrafo. Ya me dirás.

Por ahorrar hasta han eliminado los paneles laterales. Es una puesta para ver desde patio de butacas y centrado. Que desde arriba lateral ves la manguera del extintor, los cuadros de luces, los monitores, las salidas de emergencia...

Eso sí, no es molesta, consigue escenas plásticas y bonitos efectos de sombras y luces. Pero no deja de ser un poco vacía, casi como una versión en concierto.

La única pega que le veo es un arrebato sexual en el primer encuentro de la pareja protagonista. No es que no venga a cuento, que puede que sí (es un poco el rollo sexual subyacente en los cuentos de hadas tradicionales) pero es que no pega nada con el devenir posterior de la ópera y el misticismo de la representación.

En definitiva, una ópera muy agradecida de ver, que no está en el repertorio habitual y que merece la pena ser conocida.

Ah, lo de una hora y media, mentira: casi 20 minutos más (¿el coro de la misa?).

En el entreacto, algunas deserciones, los laterales de arriba casi se vaciaron.

Y después llegó Perséphone, de Stravinski.

¡Ay!

Vale, no es una ópera, es una "performance" con coro, tenor, actriz y bailarines camboyanos. Sí, bailarines camboyanos. Por lo visto Sellars explicó el porqué en la charla presentación de la ópera, pero como yo no he asistido y nadie me lo quiere contar, pues no sé por qué hay bailarines camboyanos.

Bien el elemento coreográfico, muy expresivo y acorde a lo que se cuenta.

Mal el que hayan separado el personaje principal en dos: por un lado la actriz y por otro la bailarina.

El coro, una vez más, estupendo.

Paul Groves, aún aligerando mucho los agudos, suficiente como tenor.

La música de Stravisnki... pues pichís pichás, con sus momentos interesantes y otros bastante muermo. En los ratos de aburrimiento, me dediqué a contar las personas que se iban de la sala: en Paraíso, unas 25 (y sin ningún recato a la hora de taconear por los pasillos de tarima de madera del teatro).

La puesta en escena, la misma que con Iolanta, de baratillo.

La actriz Dominique Blanc y su amplificación, insoportables. La voz sonaba con excesivo volumen sobre la orquesta. ¿Es que no podían regular un poco los altavoces? Era totalmente artificioso. Y será que no estoy acostumbrado a la prosodia francesa, pero joder, qué cursi, ampulosa y retro me pareció. Aquí hubiera hecho falta una showwoman total que recitara, interpretara y bailara, como estaba concebida originalmente la pieza.

Cortita, 45 minutos o así.

Una curiosidad sin mayor trascendencia la Perséphone ésta. Un poco "de relleno".

En definitiva, una buena velada, con una buena ópera y una propina que tampoco está mal conocer.

Tchaikovski: Iolanta
Veronika Dzhioeva, Dmytro Popov, Dmitry Ulianov, Alexej Markov, Willard White.
Stravinski: Perséphone
Paul Groves, Dominique Blanc

Teodor Currentzis, Peter Sellars
Madrid, Teatro Real, lunes 23 de enero de 2012

Lady Macbeth de Mtsensk en Madrid

2012-01-12T13:09:00.000+01:00

Bueno, lo siento, hace casi un mes que fui a la Lady Macbeth de Chosta en el Real y ni lo he comentado en el blog. Los jaleos navideños.
En fin, lo primero, muy feliz año a todo el que lea esto, que no voy a quedar de antipático, oiga.

Y lo segundo, la Lady Macbeth.

Empecemos con una frase de esas pedantes que tanto encantan a los operófilos:

Shostakovich es, junto a Ravel, el gran orquestador del siglo XX.

Y, dicho esto, pasamos a que su Lady Macbeth es un puro exceso orquestal. Ahí está todo: desde retazos de verismo a expresionismo, en un lenguaje "neotonal" que no da tregua un instante.

Y ahí subyace el problema de su interpretación: la orquesta no para relajada un segundo y es muy fácil epatar al público sacando los trombones a proscenio y metiéndonos unos pepinazos que nos dejen sordos. Pero la Lady Macbeth es algo más que eso, la orquesta tiene que ser fuerte pero también asumir matices. No son sólo decibelios. Pero claro, cómo resistirse a soltar toda la caballería.

En este sentido, la visión de Harmut Haenchen me pareció que se rindió al efectismo en exceso. Sí, desde luego consiguió levantarnos de la butaca, y logró esa sensación de distinguir qué significa cada momento, especialmente en los interludios, pero qué quieres que te diga, al final me aturdió... un poco. Sí, una labor notable, pero un poco enfollonada para mi gusto.

Tampoco ayudó mucho la bobá de dividir la obra en dos partes muy desiguales en duración, cuando separando los actos de dos en dos hubiera estado todo mucho más equilibrado, tanto en atención del espectador como en equilibrio dramático.

La puesta es aburrida: una jaula de cristal llena de zapatos refleja de manera muy obvia el hastío de Katerina, encerrada en su celda mientras afuera todo es barro y suciedad, que acabará manchándolo todo, claro.
La idea, aunque facilona, funciona, pero se hace tediosa cuando llevas dos horas viendo lo mismo. Mucho mejor en la segunda parte, que con un par de simples movimientos escénicos logra meternos más en la historia.

Sobre el carácter pseudopornográfico y escandaloso que tanto se comentaba (ya se sabe, carne de sensacionalismo periodístico), pues lo de siempre. Por una parte, Katerina y Sergei follan porque, más que el libreto, LA MÚSICA lo dice. Y el viejo Boris ya se sabe que es un baboso. No sé, los que se escandalizaron creo que ya iban predispuestos a ello. Vale, sale la Aksinya en tetas cuando los obreros la acosan y Katerina se pasa 3/4 de la ópera siendo sobada en combinación.

Y Eva-Maria Westbroek la verdad es que es la típica "señora estupenda" al modo que se decía en las rijosas pelis españolas de los 60/70. Entradita en carnes pero no gorda y con la sensualidad a flor de piel.

Su interpretación de Katerina fue espectacular. Lo primero, la voz, potente, resonante, con unos graves de temblar el misterio y capaz de subir sin problema. ¿Que llegaba al grito a veces? Pues sí, pero el papel lo pide. Ojalá la pueda volver a escuchar en un papel más clásico. Y como actriz, fantástica. Ella puede hacernos creíble a esa Katerina que, de principio a fin, es sólo un instrumento de los hombres por mucho que se crea que lleva las riendas.

Lo dicho, fabulosa. Se merendó la representación ella sola.

A su lado, muy decentes todos también. Michael König haciendo de Sergei cumplió con el papel tanto vocal como escénicamente y las dos secundarias lucieron interesantes voces de mezzo. Vladimir Vaneev, sin embargo, fue inexistente como Boris en la primera parte. Ni se le oyó ni impuso autoridad. Mucho mejor cuando interpretó al prisionero.

El coro, excelente. Así da gusto.

Pues sí, me gustó esta Lady aunque la primera parte me cansó un poco.
Brava Westbroek.

Dmitri Shostakovich
Lady Macbeth de Mtsensk
Westbroek, König, Vaneev, Ludha, Wilson, Poulson, Wilde
Haenchen, Kusej
Teatro Real, Madrid
Jueves, 15 de diciembre de 2011

Website del teatro Real sobre Lady Macbeth de Mtsensk
Comentarios del Foro Una noche en la Ópera

Avance de la temporada del Teatro Real de Madrid para 2012 - 2013

2011-12-14T10:20:00.002+01:00

Sorprendente pero cierto. Acostumbrados como estábamos a no saber nada hasta bien avanzado el año, hoy mismo el Teatro Real ha publicado un avance de lo que será su próxima temporada:

- Moses und Aron de Schönberg. En versión concierto. Nola conozco, así que por mí bien, en principio.
- Borís Godunov de Musorgski. Vaya, échenme los perros encima, será todo lo obra maestra que quieran, pero no la soporto a no ser que venga con aditivos que me llamen la atención.
- Il prigioniero, de Dallapicola (¿eins?) y Suor Angelica, de Puccini (para compensar el Trittico que no se llegó a hacer).
- Macbeth de Verdi. Bien. Operón y a ver qué Lady nos toca.
- The Perfect American, de Glass. Huy Glass, huy Glass, que unas cosas sí y otras son un muermo...
- Parsifal, de Wagner, en concierto. Todo depende de director de orquesta y reparto, claro.
- Così fan tutte, de Mozart. Genial, la ópera de Mozart a la que le tengo más manía. En fin.
- Roberto Devereux de Donizetti, en versión concierto. Aquí se traen a la Grube, creo.
- Les Pêcheurs de perles de Bizet, ¿en versión concierto? Agh. Probablemente con Juan Diego Flórez.
- Don Giovanni, de Mozart (vaya, dos Mozart escenificados en la misma temporada, viva la variación). Bueno, por lo menos, operón operón.
- La rappresaglia, de Mercadante. Ni idea.
- Wozzeck, de Berg. ¿Otra vez?
- Die Zauberflötte, de Mozart. ¿Dije dos? Pues no, son tres Mozart. Sólo 3 funciones ¿? ¿estará fuera de abono?
- Il Postino, de Catán. Esto es lo que andan cantando el Placi y la Domâs por ahí, ¿no?

En fin, no está tan diseñada para epatar como la presente pero los criterios de programación no dejan de parecerme caprichosos. Veremos la composición de los abonos... dentro de unos meses.

Y ya se pueden poner los antimortier a vociferar y rasgarse las vestiduras, tienen meses para ello.

Pelléas et Mélisande en Madrid: una castaña

2011-11-10T09:48:00.010+01:00

Ay, qué petardo y qué poco mariculto queda decir esto, pero CÓMO ME ABURRÍ en el Pelléas de Madrid.

A ver, uno sabe a lo que va, Pelléas et Mélisande no es El Barbero de Sevilla. Hay que procurar meterse dentro de la ópera, entrar en lo subyacente, en lo que se intuye más que en lo que se muestra, y dejarse envolver por la música de Debussy.

Mi problema con esta ópera es la parte vocal. Mientras la orquestal me parece fantástica, especialmente en los interludios entre escenas, la vocal se me hace muuuuy cuesta arriba.

Y en esta producción la puesta en escena y la lentitud de la orquesta no ayudan nada.

Robert Wilson pasa totalmente de mostrar emoción alguna en escena. Su idea de es puramente estética: imagina un escenario y coloca allí a los cantantes. Luego les hace moverse con las manos extendidas como en plan circo de autómatas. Todo muy estático, muy plástico, pero tremendamente frío.

Es una opción, vale, de acuerdo, pero el mayor problema que yo le veo es que todas las escenas son iguales: el escenario vacío, la misma luz, el mismo fondo azul, las mismas columnas negras, los mismos elementos repetidos, los mismos movimientos... ¿qué ocurre? Pues que cuando llevo una hora de ópera y las comodísimas butacas del 5º piso del Teatro Real empiezan a pasar factura a mis lumbares, empiezan los bostezos.

Eh, que nadie me diga, que iba bien despejado, con siestecita y overdose de cafeína. No bostezaba de cansancio o sueño, no. Bostezaba de aburrimiento.

Sylvain Cambreling sacó jugo a la orquesta pero iba excesivamente lento. Sí, matizada y tal, pero contagiada del estatismo de la escena. Es decir, soporífero. Y eso que los metales sonaron como nunca y el arpa conseguía ese efecto envolvente tan del autor.

De los cantantes, sólo Laurent Naouri me emocionó y se implicó en el papel. Los dos amantes tuvieron que luchar contra la parálisis de la puesta y el absurdo misticismo intrínseco de sus personajes y claro, así es difícil lucirse. Yann Beuron cumplió como Pelléas, la voz le corría bastante bien por el teatro y el timbre es grato. Camilla Tilling tiene un timbre precioso, pero sólo brilló en la escena de la torre, que es cuando tiene algo realmente cantable. En el resto, como si no estuviera.

Da rabia asistir a un espectáculo tan frío. El libreto está plagado de momentos que, aunque no lo parezca, están cargados de tensión. La morosidad de la orquesta y la insoportable dirección escénica se los cargaron, directamente.

Me fui a casa en el entreacto, después de la absolutamente anticlimática escena del niño. Entre llegar a casa antes de las once o hacerlo pasada la medianoche después de ver una hora y pico más de lo mismo, opté por lo primero.

Claude Debussy
Pelléas et Mélisande
Camilla Tilling, Yan Beuron, Laurent Naouri, Franz-Josef Selig, Leopold Lampelsdorfer, Hilary Summers.
Sylvain Cambreling, Robert Wilson.
Teatro Real de Madrid, miércoles 9 de noviembre de 2011

2 Turandot Low Cost

2011-10-31T10:43:00.012+01:00

Cuando uno va a una representación de ópera fuera de los teatros habituales sabe en principio qué puede esperar y qué listón hay que poner. No es lo mismo una producción y unos cantantes de teatro de categoría que lo que te puedes encontrar en un auditorio municipal o en una representación gratuita. Hasta ahí creo que todos más o menos de acuerdo, ¿no?

Porque este año he ido a dos Turandot de bajo coste.

La primera fue en el ciclo que la Junta Municipal de Moncloa-Aravaca ofreció a principios de verano, con dos funciones al aire libre en el Templo de Debod y una en el Auditorio de la Facultad de Medicina de la Universidad Complutense.

Yo fui a la de la Complu. Vamos, ni loco espero yo horas para coger sitio en las sillas y menos bajo el agradable calorcito veraniego madrileño. La de la Complu también era gratuita pero había que solicitar las entradas por teléfono, con lo que sólo había que hacer cola para coger sitio en el auditorio, pero sin apelotonamiento de gente.

Veamos: función gratuita en una universidad. Mode "exigencia" en LOW.

Y es que el nivel fue también bastante LOW, quedando sólo en el límite de lo digno.

No voy a hablar de producción porque cuatro farolillos chinos colgando de un hilo no se pueden considerar decorado. Era una versión en concierto o, como se dice ahora, semiescenificada. Vamos, que había vestuario.

Por un problema eléctrico no funcionaban las luces de los atriles de la orquesta, por lo que hubo que encender toda la luz del escenario. ¿Problema? Los sobretítulos proyectados sobre una madera clara no se veían nada. A mí me daba igual, porque me la sé, pero hubo quien lo pasó mal. Además, mejor que no se vieran, porque eran de una chapucería extrema. En el segundo acto creo que ya optaron por no proyectarlos.

Disculpa que no ponga los nombres de los cantantes pero no conservo el programa. El nivel vocal estuvo aceptable. Las que más destacaron fueron las chicas. Turandot fue rotunda, potente y con clase. Y es que no se puede cantar este papel si no se tiene un mínimo de nivel. Aguantó como una jabata y el timbre hasta me recordó a la Dimitrova. Bien. Bien también la Liù en su agradecido papel. Un par o tres de peldaños más abajo estuvo el Calaf, excesivamente ligero para el rol. Se guardó todo para hacer un Nessun Dorma apañaete y pegó los agudos, pero se le veía que lo pasaba bastante mal. El resto de cnatantes y coro, entre lo discreto y lo más discreto.

Y es que a ver quién es capaz de apreciar a los Ping Pang Pong si, en lo que un amigo llamó puccinicidio, les cortaron casi todas sus intervenciones. El trío del inicio del segundo acto fue suprimido por completo, y creo recordar que alguna otra cosilla también.

Como también se cargaron toda la escena del coro del primer acto. Fiuuu, eliminada.

A pesar de todo esto, se podría decir que la Turandot se salvaba, estaba dentro de lo aceptable/ esperable, pero teníamos otro handicap: la orquesta.

Desajustadilla y sobre todo con un grave defecto: no había percusión. ¡Cómo es posible hacer una Turandot sin percusión! Toda fue sustituida por un piano que sí, hizo el esfuerzo de intentar hacerse notar, pero no pudo ser. Es que ni gong ni timbales ni na de na.

Me imagino que las funciones en el Templo de Debod, entre la sugestión del entorno y que tenían mejor tenor, estarían más decentillas, pero lo que es la de la Complu se quedó en un sufi raspao raspao (un 5.0 que decía mi profe de Botánica, que era que habías suspendido pero te subía una decimilla para no catearte).

Lo que más rabia me dio fue que había arrastrado a varias personas y todo el mundo quedó bastante decepcionado.

Por eso cuando me dijeron que una compañía ucraniana iba a representar meses después la Turandot en un pueblo de las afueras de Madrid, ya no avisé a nadie. Me fui solito con mi Tx para quitarle la espinita de la Turandot de la Complu.

Cogimos entradas para el Teatro Auditorio Adolfo Marsillach de San Sebastián de los Reyes en la fila 4 (que se vea cerquita, que se vea) y... resulta que habían eliminado las dos primeras filas de butacas para colocar a la orquesta y que la fila 3 no se vendió. Así que estábamos... ¡en primera fila!

La Turandot de Sanse ya fue otra cosa. Lo primero, se podía considerar una producción. Cutre y hortera, pero con sus decorados. Luego, con orquesta completa (y a medio metro de nuestras orejas). Y finalmente, con una buena cantidad de personas en escena, que es algo que en Turandot se agradece mucho.

No hubo ningún corte en la partitura, la operita tal y como la conocemos y con el final de Alfano/Toscanini de siempre. Y... A TODA LECHE. Vamos, que se cepillaron la obra en dos horas y cuarto con dos intermedios incluidos. Yo creo que no había escuchado una Turandot tan rápida en la vida. Bueno, sí, quizás el CD de Chailly con Pavarotti y Caballé. Pero es que la cosa fue... volada.

A la orquesta no le pidas sutilezas, especialmente a las cuerdas. Vasyl Valislenko, el director, estaba enfervorizado y la llevaba a tutiplén. Y se lo pasó en grande. Una cosa curiosa que no había visto yo nunca (claro, a ver quién nota eso desde el quinto piso del Teatro Real): el director conversaba con la concertino durante toda la obra y a toda la orquesta la dirigía no sólo con la batuta, sino pegándoles voces. Una cosa... En su exaltación, se le cayó la batuta una vez y al final de la obra le pegó un porrazo al atril que casi se lo tiró encima a los violines. Gozoso y pumba pumba pumba.

Giorgi Meladze, Calaf, se movió en el mismo estilo que la orquesta: siempre en forte. Así las arias le quedaron normalitas, pero lo que es la escena de los enigmas y el final fueron de un efectismo espectacular. Iba vestido como el árbol de navidad de Barbra Streisand: todo eran plateados. En cuanto a actuación, pues como todos los Calafs del mundo: absoluto pasmarote.

Liù (irina Golovchenko) no tenía una voz especialmente bonita de timbre, lo que le deslució un poco. Es un papel muy goloso para una lírica. Estuvo bien, pero sin entusiasmar.

La Turandot de Tatiana Plekhanova ya fue otro cantar. A la cantante se la veía más veterana y rodada. Cierto es que el timbre era poco grato, pero fue la única que matizó y supo expresarse. Y mira que es difícil en este rol. Empezó calando el primer agudo de In questa reggia (ese "e quel grido") y me temía lo peor, pero no. Aguantó el final del aria sin dificultad y a toda pastilla, super-rápida, y luego la escena de los enigmas. No fue perfecta, vale, pero fue la que cantó con más clase y la única que verdaderamente interpretó.

El Timur deplorable, una pena.

Los Ping Pang Pong estuvieron más que correctos, ayudados por una interpretación exagerada y cómica, muy excesiva, y también por la velocidad que ya he comentado. Su trio del segundo acto fue bastante divertido. Le tengo yo cariño a estos personajes. Suelen caer mal porque interrumpen la acción y son como un estorbo, pero para mí son los únicos personajes con los pies en la tierra de esta ópera. Todos los demás viven en sus mundos de príncipes, princesas y amores imposibles, ellos se preocupan de lo que se tienen que preocupar: sus celebraciones, sus banquetes, sus ejecuciones, sus entierros... Además, tienen la música más evolucionada y sorprendente de esta ópera. A lo que voy, que muy bien.

El coro mantenía el tono general de la producción, y además eran los figurantes. Calculé unos 30. A destacar una de las coreutas, vestida de morado ella, superexpresiva e implicadísima: interpretaba cada frase poniendo unas caritas que cada vez que aparecía no podía yo evitar fijarme en ella.

Y es que la dirección escénica, siendo elemental, estaba cuidada: el coro no era algo estático, siempre estaba haciendo algo, igual que los ministros. Dentro de lo clásico, más que entretenida.

Lo más llamativo de esta Turandot es la producción. A ver: el escenario era sencillo: un cielo estrellado con un palacio al fondo y unos telones pintados. Como elementos de atrezzo, tres miniestructuras con ruedas tras las que se encontraban los ministros y unos candelabros en los que no se habían ni molestado en ocultar las regletas de los enchufes. Era tan cutre que enternecía.

Lo más, el palacio de Turandot: es una cabeza de dragón que se abre (se ven los hilitos que tiran) y entonces echan humo y sale la princesa. ¡Súper!

Y si los decorados eran kitsch, del vestuario ya ni te cuento: apoteosis de la lentejuela y la peluca de nylon. Todo era de un brilli brilli escandaloso de ropa de disfraz comprado en los chinos. Pero es que joder, que la ópera transcurre en China. Por el vestido de lentejuelas naranjas del emperador se hubieran tirado de los pelos Tania Doris y Norma Duval. Muy tremendo. Y esas barbas que se les veía la goma elástica con las que se sujetaban, y esos soldados con los bigotes pintados. Super kitsch.

En definitiva, que fue como viajar en Low Cost, que sabes a lo que vas y lo que puedes esperar, y si supera con creces las expectativas como fue el caso de Sanse, pues muy bien.

Esta producción de la agencia Concerlírica está recorriendo toda España. Sé que va a Guadalajara y Valladolid próximamente. En serio, por el precio y yendo libre de prejuicios, merece la pena.

Un último detalle: detrás teníamos a dos matrimonios en la cincuentena que no paraban de decir "qué bonito, qué bonito". Durante el segundo acto se oía como un ruido extraño, como alguien hablando pero muy baito. ¡Era uno de los señores que estaba escuchando el partido de fútbol en la radio con auriculares!

Nos lo pasamos como chinos, nunca mejor dicho.

Vídeos y fotos corresponden a otras funciones de esta misma producción.

Giacomo Puccini
Turandot

Auditorio Facultad de Medicina de la Universidad Complutense de Madrid.
Jueves, 30 de junio de 2011

Concerlírica
Tatiana Plekhanova, Giorgi Meladze, Irina Golovchenko
Teatro Adolfo Marsillach, San Sebastián de los Reyes (Madrid)
Sábado, 29 de octubre de 2011

Elektra en el Teatro Real de Madrid

2011-10-03T14:15:00.008+02:00

Empieeeeeza la temporada de la polémica en Madrid, señores.

Y ha empezado la mar de bien, con una Elektra notable, oiga.

Y es que traerse a Semyon Bychkov para dirigir la orquesta es, como dicen las cursis, un lujo un broche. No es sólo la rotundidad con la que aborda las partes con más fuerza de la partitura, es la brillantez: donde habitualmente se oye ruido y papapúm papapumba, aquí se oían todos los matices, se era capaz de distinguir los instrumentos. Y acompañaba perfectamente a los cantantes en los momentos más delicados. Bychkov ha exprimido a la orquesta a base de bien. Una gozada.

Pero por muy bien que esté la orquesta, si no hay cantantes de nivel, Elektra se queda coja. Christine Goerke me descolocó bastante al principio: demasiado lírica y, como es habitual en el rol, reservándose para después. Y eso me jode, porque el primer monólogo queda deslucido. Se fue creciendo a medida que avanzó la función y a partir de la llegada de los extranjeros con las noticias se soltó la melena y me pareció estupenda.

Tenemos las Elektras pepinazo continuo, tipo Nilsson, las desgarradas porque yo lo valgo (y puedo), tipo Marton, las sufridoras dramáticas, tipo Polaski. Goerke no va por ninguno de esos tres caminos, va por el suyo, más introspectivo y explotando al final.

La danza final fue abordada como una especie de movimientos espasmódicos, patadas y zancadas. Vale, no es una danza pero coño, es que Elektra es LA LOCA DEL HACHA. Más que efectiva, histérica y enloquecida, que es lo que es.

Jane Henschel está cascaílla, sí, pero al menos CANTA el papel de Clitemnestra, no lo declama ni lo grita. Y escénicamente estuvo la mar de bien.

Manuela Uhl tiene una bella voz, más grande de lo habitual en el papel de Crisótemis. Bien, pero no me acabó de llenar del todo.

Los demás, dentro de la corrección.

La puesta en escena es la típica de una Elektra: todo vale. Es decir, hormigón y trapajos. Una impresionante estructura de varios pisos domina el escenario a modo de palacio/cárcel. Como siempre, desde los pisos altos sólo se ve la mitad. A destacar el uso de la luz incluso dentro del edificio gracias a los tragaluces.

El movimiento de cantantes, de pena. A la pobre Crisótemis la tuvieron dando vueltas sobre sí misma durante toda la ópera, y los encuentros/desencuentros entre Elektra y su madre y hermano, totalmente desaprovechados.

Por lo demás es una puesta muy tradicional, sin transgresiones ni rarezas.

Para mí, buen comienzo de la temporada.
Un título que funciona y unos intérpretes de nivel.
Aplausos finales más que justificados.
Hay otro reparto con Deborah Polaski (y el ardor) y Rosalind Plowright (!)
En la prensa critican que se inaugure con una producción de alquiler de hace casi diez años. No nos libramos del paletismo, parece ser.

Richard Strauss
Elektra
Christine Goerke, Jane Henschel, Manuela Uhl, Chris Merritt, Samuel Youn.
Semyon Bychkov, Klaus Michael Grüber.
Teatro Real de Madrid, lunes 3 de octubre de 2011

Fotos del Teatro Real y de Parsi.

Tosca clasicota para cerrar temporada en Madrid.

2011-07-29T18:20:00.003+02:00

Qué barbaridad, que no me da ni tiempo a comentar la Tosca del otro día con la que el Real cierra la temporada (fuera de abono).

Me llevé a mi sobri, que preguntaba si le iba a gustar más que Las Bodas de Fígaro, y yo le dije que creía que sí, más que nada porque esas bodas fueron de auténtico sopor.

Le estuve explicando un poco por encima el argumento, el contexto histórico y el musical, por centrarla un poco, y sobre todo para involucrarla un poco más en la ópera.

Y mira, salió una Tosca de lo más clásica en cuanto a resultados porque... ¿qué es lo que se espera de una Tosca? Pues que los protagonistas canten a base de bien y el Scarpia sea malo malísimo.

Fui a primer reparto, me hubiera gustado ir al segundo por la Radvanovsky, pero no soy tan freak como para comprar para los dos. Me sorprendió para bien la Urmana, y es que yo me esperaba su clásica interpretación de "aquí pego el grito pero como actriz soy igual que una columna de piedra". Avisaron de que sufría un proceso gripal. Pues mira, yo creo que precisamente por eso estuvo más delicada y expresiva que lo que es habitual en ella.

El timbre sigue siendo muy interesante, el volumen torrencial y sí, se le abren los agudos, pero ahora cuéntame tú a qué Tosca actual no se le acusa de que grita los agudos. Pero lo más importante es que es UNA TOSCA CON GRAVES. De las poquísimas a la que se les oye el momento de las lágrimas. Y en lo escénico estuvo más que correcta. Muy bien.

Marco Berti no es que sea una columna de piedra, es que es un canto rodao. Llega, pega el bocinazo que se oye a 10 km de distancia y se queda tan pancho. No le pidas más, y mejor que no lo haga, porque las dos veces que intento matizar y apianar se le estranguló la emisión y quedó rarísimo. Su Mario es turrón del duro: dulce pero te dejas los dientes si le intentas dar un bocado. Su interpretación... esto... ¿interpretar? ¿qué?

Al lado de estos dos auténticos chorros de voz, Lado Ataneli se queda corto, cortísimo. ¿Lo bueno? Que por fin es un Scarpia cantado y no "parlado". Cantado con intención y muy bien interpretado. Que uno ya está harto de que le pongan de Scarpias a barítonos famosos en el final de sus carreras. ¿Lo malo? Que quedaba totalmente tapado por sus compañeros y que los momentos "feroces" no le salieron.

Y también quedó totalmente tapado por la orquesta, cuyo director debió pensar que cuanto más pumba pumba más aplaude el público, y halaaaaa, dale que te pego al volumen. Suerte que la Tosca y el Mario podían con todo.

Bien los secundarios y correctito el coro, que no acabó de hacerse con el tiempo lento que la orquesta le dio al previo al Te Deum.

No me acordaba yo de esos decorados tan negros y horrendos made in Frigerio para la Tosca de Nuria Espert en el Real, y eso que es la tercera vez que veo la producción desde 2004. Vale, funcionan (y muy bien) en el primer acto, dan el pego en el segundo pero en el tercero, el de la trampilla, es de un feísmo que asusta. Sobre la tan "escandalosa" idea de hacer que Tosca le tire una copa de vino al Cristo después de matar a Scarpia (oh, cielos, he revelado la trama) pues vale, es una ocurrencia de la Espert que NO ESTÁ EN EL LIBRETTO, ¿pero a estas alturas nos vamos a quejar por eso y vamos a exigir que haga lo del crucifijo y las dos velitas? Que no es para tanto, joder.

El público. Si me quejo yo habitualmente de que me salgan los Gremlins en la zarzuela, al lado tenía a uno auténtico que se dedicó a tararear casi todos los temas conocidos así como murmurando. Tela.

Y detalle curioso: señor que se enfada mucho porque a otro le suena el teléfono móvil... EN EL CUARTO DE BAÑO DURANTE UN ENTREACTO. Y sí, se enfadaron mucho ambos y continuaron la discusión por los pasillos. Serían indignados de esos.

En definitiva, una Tosca más que disfrutable y dentro de los cánones. ¿Que se le pueden buscar fallos? Pues sí, todos los que quieras, pero yo procuro ir a la ópera a disfrutar y no a pasarlo mal ni a comparar con la versión pirata en vivo del año 52 que suena a huevos fritos con una cantante que no grabó nada comercialmente pero que es la mejor del mundo y blablabla, porque entonces son ganas de ir a encabronarse a la ópera, digo yo.

Ah, mi sobri encantada, y esta vez además no me obligó a hacerle la sesión fotográfica en los salones de la segunda planta para colgarla después en el tuenti.

Giacomo Puccini
Tosca
Teatro Real de Madrid, miércoles 27 de julio de 2011.
Violeta Urmana, Marco Berti, Lado Ataneli, Felipe Bou, Valeriano Lanchas, Carlo Bosi, Károly Szemerédy, Francisco Santiago, Ruth González.
Renato Palumbo, Nuria Espert

Las de Caín, un delicioso divertimento retro.

2011-07-18T17:31:00.008+02:00

¿Pero qué pasa en El Español que nos están poniendo toda la producción de Sorozábal? Ah, yo por mí encantado, ¿eh? Que en los últimos años me he visto Adiós a la Bohemia, Katiuska, La Eterna Canción, Black El Payaso... y ahora Las De Caín.

Las de Caín es de 1958, con música de Sorozábal padre e hijo, y ya no es TAN zarzuela sino que, como dice el programa con mucho acierto, es una comedia musical.

Cuidado.
El texto no es que esté anticuado, es que tanto argumento como chistes suenan totalmente a lo que son, sainete de los Álvarez Quintero de principios del siglo... pasado (es decir, humor trasnochadísimo con gracia cero). Y, sin embargo, el resultado es muy gracioso y divertido.
¿Y cómo se logra eso?
Pues poniendo mucho esmero, con una dirección escénica sobresaliente y unos actores/cantantes de primera línea.

Porque en estas Las De Caín está todo cuidadísimo, y eso se ve ya directamente en los "títulos de crédito":

Ángel Fernández Montesinos ha conseguido crear un delicioso divertimento retro, cuidando decorados (fantásticos y con un dinamismo nada chirriante), detalles, coreografía y, sobre todo, definiendo y trabajando cada personaje. Con ayuda de los actores, claro, que parece que se han preparado sus papeles como si cada uno de ellos fuera el protagonista principal. Hay personajes, como Marucha (Teresa Castal) o Brígida (Trinidad Iglesias) que, no siendo nada relevantes, están tan bien interpretados y tan llenos de detalles que se comen las escenas en las que salen.

No se puede decir de uno que desmerezca, y además han conseguido una combinación perfecta entre cantantes que actúan y actores que cantan, sin caer en el habitual suplicio que es escuchar los recitados de las zarzuelas.

Marisol Ayuso la verdad, cantar, pues canta poco, pero pone presencia, intención y sirve para que el público diga "aaaaah" cuando sale por primera vez, que para algo es "la mamá de Aída". Acompañándola, solvente como siempre, Luis Álvarez.

La pareja protagonista, Hevila Cardeña y Javier Galán. Muy bien vocalmente y solventando también las partes habladas lejos del envaramiento de los cantantes líricos.

De las chicas, ya digo, todas más que bien pero un punto, puntazo, para Teresa Castal, fantástica.

De los pretendientes, entonado Francisco Sánchez, y graciosísimos Israel Ruiz como Pepín y Ángel Ruiz (Quesquispás, Glorious, Betty Brown) como Marín.

Estupenda, repito, Trinidad Iglesias y correctos los criados, el sainetista y el guarda.

María Garralón está muy graciosa, pero su personaje se queda en poco.

Y luego está Paco Valladares. Qué hombre. Mira que era el típico tío que me reventaba porque sólo lo conocía de afectadísimos papeles de galán de teatro para televisión en los años de Maricastaña. Pues toma Valladares. Se come todo lo que se le ponga por delante y eclipsa a todos los que tiene alrededor. Da perfectamente el papel (que en manos de otro podría haber sido un aburrimiento). Cada gesto es una creación. ¿Sobreactuado? Pues sí, pero , ¿y qué? Mejor así. Es el figurón de la función, arrancó risas (de las de verdad) y fue el más aplaudido. Oye, y además sabe entonar al cantar. Muy bien.

La parte musical, aún siendo importante, no es lo que prima en esta obra. A ver, tiene sus partes inspiradas pero no es que sea un Sorozábal de primera línea. Recuerda mucho a otras zarzuelas del autor (bueno, de uno de los autores). Tenemos la habanera, el pasodoble marca de la casa, un chotis (estupendo), el vals, la clásica romanza de barítono (no muy allá), una romanza de soprano que suena mucho a cine musical americano, un dúo un poco hortera...

Y yo con lo que me quedaría, aparte de con el chotis, es con los números concertantes, en los que los Sorozábal consiguen que haya diez personajes cantando a la vez en una estructura de aparente ligereza. La única referencia discográfica que conozco es la grabación del propio autor para Hispavox con Teresa Tourné, Ana Higueras y Renato Cesari.

La orquesta fue llevada con ligereza y desenvoltura por Montserrat Font Marco, alejada de chimpunes y efectismos, y permitiendo que las voces se oyeran y, lo que es más importante, se entendieran.

Estuvimos en palco de tercer piso por 13 euros en un teatro que no es muy grande, hay entradas más baratas y encima días con descuento. Y, como dijo mi tx, mucho mejor esto que ver las franquicias asépticas y con micrófono de los musicales de la Gran Vía.

No es que se salga emocionado y cantando a voz en grito como cuando sales del Trovatore, no, pero el caso es que una velada muy agradable (aunque la obra al final se haga un poco larga, dos horas y diez sin descansos y con un argumento que no da mucho de sí) y queda como un delicioso divertimento retro.

Las de Caín
Pablo Sorozábal (padre e hijo)
Teatro Español, Madrid.
Jueves, 14 de julio de 2011.
Marisol Ayuso, Luis Álvarez, Francisco Valladares, María Garralón, Hevila Cardeña, Javier Galán, Raquel Esteve, Francisco J. Sánchez, Noemi Mazoy, Israel Ruiz, Teresa Castal, Ángel Ruiz, Ruth Terán, Trinidad Iglesias, Manuel Aguilar, Alejandro Navamuel, Alexandro Valeiras, Óscar Hernández
Ángel Fernández Montesinos, Montserrat Font Marco

Detalles de las proyecciones en el prólogo y entreactos:

San Francisco de Asís en el Madrid Arena: Desmesura

2011-07-14T17:06:00.006+02:00

Bueno, pues ya fui a la campanada de la primera temporada Mortier en el Real: El San Francisco de Asís de Messiaen, en el Madrid Arena, y sólo se me ocurre una palabra: desmesura.

Desmesura en la duración de la obra.
Desmesura en la duración de la representación, con un intermedio de UNA hora.
Desmesura en el recinto donde se ha representado, con la famosa cúpula gigantesca.

No sé, lo de ir hasta la Casa de Campo, entrar a las seis de la tarde y salir a las doce de la noche me parece un exceso. Por mucho que hayan querido hacer de estas representaciones una especie de Festival de Verano tipo Bayreuth o Glyndebourne, donde se puede cenar en medio de la ópera. No sé, nunca he ido a esos sitios, ¿se puede? Además, lo de la cena es que te corta todo el rollo de la continuidad de la ópera, vamos digo yo.

Lo bueno, el tiempo tan fantástico que hizo ayer, veraniego pero con viento, no hacía mucho calor. Y la gran mayoría (de los que no se fueron) corrió a la máquina de cocacolas del pabellón de enfrente y se había traído su bocata de casa, convirtiendo los exteriores del Madrid Arena en un improvisado picnic cultureta.

Sorprendente el Madrid Arena. Yo que iba ya decidido a quitarme la camiseta cuando me acordé de que no iba al Infinita, que este año lo hicieron en la Caja Mágica, sino a la ópera. Sorprendente por la buena acústica que tuvo. Y mira que los pabellones deportivos son criminales para la música. Pues no. No sé si fue la cúpula que hacía de barrera trasera, las pantallitas que colgaban de estructuras en el techo o qué, el caso es que oírse, se oía de maravilla.

También hay que reconocer que la orquesta, dirigida por Sylvain Cambreling y traida desde Baden-Baden, estuvo TREMENDA. Y los solistas muy a la altura. Alejandro Marco-Buhrmester cumplió perfectamente con el papel del santo y Camila Tilling estuvo brillantísima como el ángel. Los coros (dos, por disposición de dios) también fabulosos, aunque me perdí el coro final, que casi todo el mundo que ha aguantado ha dicho que era lo mejor de la función.

La escenografía consistía en unas pasarelas por las que los personajes pululaban, una jaula y un gigantesco secador de pelo... digo... una cúpula.

La cúpula es bastante alucinante: 22 toneladas de peso (aunque no la pesé), 13 metros de diámetro, 14 metros de fondo, y cientos de fluorescentes que la hacían cambiar de color. Pero ya está. ¡¡¡Yo creía que se movía!!! Pues no. Es muy sorprendente pero la sorpresa se pasa al cuarto de hora. Tiene un rollo así industrial de estación de tren siglo XIX y sí, los efectos de color eran muy plásticos. Me pareció bien la escenografía. No es una ópera que necesite más, y hacer unos decorados realistas puede quedar entre cursi y cutre. Es una puesta en escena muy estática, eso sí.

Pero es que coñe con la ópera, anda que no es estática. Lo del libreto es de juzgado de guardia, como cada vez que los propios compositores son los que los escriben. ¿Es que Messiaen no ha oído hablar de la palabra contención? Vale, son escenas de la vida de San Francisco y todos esperamos ver lo del hermano Sol y hermana Luna pero... ¿hace falta que el tipo se tire UNA HORA de reloj hablando de pajaritos?

Si lo unimos a una música que es interesante, suena bien, no es difícil... pero PARECE TODA IGUAL, la cosa se pone muy cuesta arriba.

Como dijo un amigo que aguantó como un jabato hasta el final: es una ópera para sacarse una entrada barata y luego ir a cualquiera de los tres actos, preferiblemente a los últimos debido a las deserciones y así poder cambiarse a una butaca más cara.

Y es que el segundo acto, el de los pajaritos, de dos horas de duración, se hace eterno.
Coño, que se veía entre el público a gente leyendo, jugando con los móviles... ¡¡¡si hasta yo estuve chateando con uno del coro!!!

A las diez se me planteó la opción de llegar a casa a las 22:30 o esperar una hora de descanso, otra hora de música y llegar a casa a las 00:30 aprox.

Fui un burgués acomodaticio y culturalmente retrógrado e inmovilista: no aguanté y me fui a casa en el segundo entreacto, al igual que cientos de personas más.

Me dio rabia perderme el famoso coro final pero mira, quizás si el segundo intermedio hubiera tenido una duración aceptable sí. Pero como no, no estaba yo anoche para tantas gaitas y me largué.

Olivier Messiaen
Saint François d'Assise

Madrid Arena (Teatro Real de Madrid), miércoles 13 de julio de 2011
Alejandro Marco-Buhrmester, Camila Tilling, Michael König, Wiard Witholt, Tom Randle, Gerhard Siegel, Victor von Halem, Vladimir Kapshuk
Sylvain Cambreling, Ilya & Emilia Kabakov, Giuseppe Frigeni

Enlace:
Un análisis en Un chorro de luz

Sopor de bodas

2011-06-16T18:07:00.004+02:00

Menuda castaña de Bodas de Fígaro en el Teatro Real.
Qué sopor, qué aburrimiento, qué ganas de salir del teatro.
Y qué rabia da que la misma producción que hace dos años me gustó mucho (clic), anoche se convirtiera en una pesadez que se me hizo eterna.

Víctor Pablo Pérez es un plomo. Lo siento pero es verdad. Me lo habían advertido y no lo creí. Y toma. Vamos, que siendo López Cobos como es de contenido para Mozart, era la alegría de la huerta comparada con este señor. No es la lentitud, que lo fue, y mucho, sino la monotonía.

Una cosa es entender el clasicismo y otra que absolutamente todos los números de la ópera sonaran igual, IDÉNTICOS, sin un matiz. Qué desesperación.

Si a esto le añadimos un reparto de voces chiquitinas tirando a sositas y un problema técnico que obligó a interrumpir la representación durante un cuarto de hora, tenemos el resultado: entrar en el teatro antes de las siete y salir casi a las once con ganas de no volver más.

Poco pudo hacer esta vez Sagi con su dirección de escena animada y detallista. Y con ese manejo fantástico de la luz. Respecto a hace un par de años yo creo que el molestísimo ruido del chorrito de la fuente del cuarto acto estaba un poco más atenuado. Aún así, la puesta, lo mejor de la función.

Sobre el reparto hay que decir una cosa en primer lugar y es que

NATHAN GUNN NO SE QUITA LA CAMISA EN NINGÚN MOMENTO.

Señores, esto es un escándalo. ¡Para una vez que lo traen!
¡Tirón de orejas a Sagi y a Curro!
Gunn compitió con su mujer, la señora Annette Dasch, a ver quién era más soso y con menos voz, y ganó. Un conde anodino y nada implicado. Francamente, no es un cantante a tener en cuenta para nada, e interpretativamente igual que un trozo de corcho blanco. La condesa, igual de inane en lo actoral, por lo menos se implicó en sus dos arias e hizo algunas cosas muy bonitas para pasar el trámite.

Aleksandra Kurzak estuvo un peldaño más arriba que sus amos como Susanna. Inexistente durante los dos primeros actos, estuvo más correcta (y audible) en la segunda parte. Pero vamos, ninguna maravilla.

Los más interesantes de los protagonistas fueron Alessandra Marianelli de Cherubino y Pietro Spagnoli de Figaro, que se movieron en un buen nivel.

Los secundarios se comieron con patatas a los principales. Hasta la Barbarina y el Antonio, fíjate. Giménez y Chausson sacaron eso que se llama proyección de voz y con toda su edad les dieron mil vueltas a los demás. Y mira que a mí Chausson me suele poner nervioso porque exagera muchísimo, pero ayer era una gozada cuando salía. Jeannette Fischer no estuvo tan bien como hace un par de años (parece ser que ha sufrido alguna afección) pero aún así fue una más que buena Marcellina.

En fin, que unas Bodas de Fígaro para rellenar hueco en el calendario, básicamente.

Llevé a la mayor de mis múltiples sobrinas a la ópera. Y le gustó mucho.
Aunque lo que más le gustó fue sacarse fotos en los salones del Teatro Real.
Es lo que tiene tener 17 años.

Mozart. Le Nozze di Figaro.
Nathan Gunn, Annette Dasch, Aleksandra Kurzak, Pietro Spagnoli, Alessandra Marianelli, Jeannette Fischer, Carlos Chausson, Raúl Giménez, Enrique Viana, María Virgina Savastano, Miguel Sola.
Víctor Pablo Pérez, Emilio Sagi.
Madrid, Teatro Real, miércoles 15 de junio de 2011.

Parodia de Cecila Bartoli

2011-05-26T17:38:00.002+02:00

Kimchilia Bartoli, hombre mezzosoprano dramática de coloratura, cantando "Agitata da due venti" de la Griselda de Antonio Vivaldi... "a la manera de Cecilia Bartoli".

BRUTAL.

Gracias, Otto.

Ah, la original:

El Rey Roger en el Teatro Real de Madrid

2011-05-05T00:09:00.000+02:00

Overbooking lírico el pasado finde. Si el sábado era la Luisa, el viernes me tocaba el Król Roger de Karol Szymanowski en el Teatro Real.

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Ya comenté esta ópera cuando la vi en Barcelona hace un par de años (clic), así que me voy a hacer un AnaRosa copiar y pegar de lo que escribí entonces sobre esta ópera modificando algunas cosillas:

Król Roger es una ópera rara. No es que sea de esas imposibles de digerir, pero hay que estar pendiente, receptivo e intentar meterse dentro de la ópera para disfrutarla. Con todo lo pedante que es la palabra no hay otra que mejor defina la música del rey Roger: cromatismo.

Mil colores son los que hay en una partitura que juega con el orientalismo, que oscila entre lo tonal y lo atonal, que trae reminiscencias de Ravel, de Debussy, de Richard Strauss, y que tiene una instrumentación riquísima. Rara como ella sola, pero bella, bellísima música. Hay una grabación de Simon Rattle para EMI de hace 12 años que es una maravilla.

El trabajo de la orquesta tiene que ser conseguir envolver al público en la ópera, para que una vez dentro pueda olvidarse de las absurdas ínfulas del libretto.

Porque vamos, uno sale con la sensación de "no sé qué narices me quieren transmitir, pero me da lo mismo". Es el enfrentamiento entre la razón y la tentación, el cristianismo y el paganismo, la templanza y el hedonismo... todo machacadito con mucha tensión sexual.

Si todo esto lo aderezamos con una puesta en escena de Warlikowski decididamente dispuesta a epatar y hacerlo todo incomprensible ya tenemos el pollo formado. La verdad es que es muy de agradecer el que la puesta sea llamativa, porque lo hace todo más entretenido.

Nada más empezar se proyectan unas imágenes de Teorema de Pasolini y de Flesh, la peli de Paul Morrissey para la Factory de Warhol, con Joe Dallessandro desnudo. Gran escándalo (la peli es de 1968, ya ha habido tiempo para escandalizarse de ella, ya). Luego aparecen el rey Roger (pronúnciese róguer, no róyer), Marius Kwiecien, luciendo pectoralia.com y Roxana, que se desvisten y se visten y ya empieza el coloque. Pero bueno, casi mejor que lo veas tú mismo:

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(Son imágenes de la misma producción en París. En Madrid el pastor en vez de parecer un recogechatarra es un cruce entre Alice Cooper y Mario Vaquerizo, los otros dos protagonistas son los mismos)

¿Escandaloso? ¿Polémico? ¿Alusiones a la homosexualidad? ¿Fiesta fiesta, pluma pluma gay? Pues mira, qué quieres que te diga. Tampoco veo yo mucho escándalo pero sí una serie de boutades, que culminan con la aparición de los Mickey Mouse del final. ¿Qué conclusiones se pueden sacar? Básicamente yo diría que es una comida de tarro mental del director de escena y que por la estructura cíclica (termina igual que empieza) todo tiende a ser un delirio del rey Roger producido por las drogas.

Muy buen nivel artístico a todos los niveles: Excelente Olga Pasychnik como la reina, solvente Stefan Margita como Edrisi y mucho mejor Will Hartmann como pastor que en las funciones de Barcelona. Kwiecien está que se sale en el rol principal, un gustazo. Más que bien el coro. Y la orquesta, dirigida por Paul Daniel, consiguió exprimir todo el jugo a la partitura.

Abucheos nada más terminar la obra dirigidos a la puesta y gran éxito a nivel de aplausos para cantantes, coro y orquesta, aunque breves, y es que estarte hora y media sentadito en las comodísimas butacas del Real aguantando ocurrencias cansa y en cuanto cae el telón salta el resorte del culo.

Enlaces:
Análisis y argumento de la ópera
Dossier de Krol Roger
Web del Teatro
Blog De mis pasos en la tierra
Foro Una noche en la Ópera

Karol Szymanowski
Król Roger (El Rey Roger)
Kwiecien, Pasichnyk, Hartmann, Margita, Smilek, Rappé.
Paul Daniel, Krzysztof Warlikowski
Teatro Real de Madrid, viernes 29 de abril de 2011

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Cuánto tiempo sin verte, Luisa Fernanda

2011-05-03T09:41:00.006+02:00

Bueeeeno, cinco años desde que la pusieron en el Teatro Real, ¿no?

Vamos a ver, señores, zarzueleros o no, Luisa Fernanda es una obra cumbre del género lírico, con una música inspiradísima que hay que conocer, que se queda en la memoria, que emociona, que mezcla lo popular sin ser una chabacanda y que encima tiene un libreto más que aceptable.

Y es que la primera triunfadora de la noche es la propia "comedia lírica", que es una maravilla. El sábado nos pusimos chalequeros y pantaloneros y nos plantamos en el Teatro de la Zarzuela a disfrutar, a pesar de las tibias críticas leídas o de los comentarios catastrofistas de los de siempre.

Pues nos gustó, y mucho.
Lo que más ha dado que hablar es la producción. Para abaratar costes, se trata de paneles de led en los que se proyectan las imágenes que forman los decorados. Son como los telones pintados de toda la vida, sólo que con los paneles puede haber movimiento. Bueno, hay que reconocer que cuando se trata de los decorados de la calle son feos tirando a muy feos, por esquemáticos y esbozados, pero en los cuadros de la romería y el final me resultaron bastante apañados y los movimientos lograron efectos muy bonitos.
Ahora, es un decorado para ver desde la parte de atrás del teatro, porque en patio de butacas se ven demasiado los leds. Nosotros estábamos en segundo piso, que creo que es donde mejor se veía.

El elenco también ha sido muy discutido. Porque para poner una Luisa hacen falta cuatro intérpretes de categoría. Yo compré las entradas sin saber cuál de los tres repartos me iba a tocar, y me ha tocado el principal.

Vamos a ver, Luisa Fernanda es un papel la mar de ingrato. Vocalmente no es tan lucido como el de sus compañeros y dramáticamente es un papel bastante angustioso: la chica se tira toda la zarzuela sufriendo a más no poder y en momentos resulta antipática. Lo habitual es que la soprano que la interpreta se dedique a poner carita de pena durante toda la obra. Aquí han optado porque al Luisa esté todo el rato de los nervios, moviéndose de un lado a otro como al borde de un ataque de ansiedad, muy sobreactuada. Y, francamente, cansa un poco, sobre todo si la soprano es chilena y su dicción queda extraña. A Cristina Gallardo-Domâs el papel le viene grave y desde luego su voz no es la de antes o aún no está recuperada después del parón por enfermedad que tuvo hace un año. Sólo se mostró cómoda en el dúo final con Javier, y eso sí, lo hizo precioso.

El Javier fue José Manuel Zapata. Potente y entregado, pelín titubeante al principio pero solventando la parte sin problema, y eso que es un rol que se las trae. Tampoco es que el hombre sea el prototipo de galán que uno espera pero vamos, yo no he visto el desastre vocal que muchos han proclamado por ahí.

Para acompañarlo, la perversa duquesa era María Rey-Joly. Pánico al escuchar su primera frase: una voz demasiado pesada. Carolina tiene que ser una soprano ligera pero con cuerpo para no parecer un canario. O una lírica con el agudo fácil. Muchas de las grabaciones de esta zarzuela cojean por culpa de la duquesa. Afortunadamente fue sólo esa primera frase. Oscilación y vibrato en el agudo, sí, pero manteniendo el tipo perfectamente. Y la única del cuarteto principal que interpretaba durante los cantables.

El protagonista absoluto fue el Vidal de Juan Jesús Rodríguez. Francamente es una gozada escuchar una voz de barítono tan plena, bien colocada y sin problemas arriba o abajo. Tosco y siempre en forte, sí, pero francamente disfrutable. Su final fue de los de poner los pelos de punta.

Muy apropiada la Mariana de Amelia Font y el Aníbal de Julián Ortega, con los excesos cómicos de costumbre en el papel. Muy bien el Nogales y discretita, por ser amable, la Rosita. La orquesta, con mucho brío y tiempos bastante rápidos, bien. Sin procuparse de decibelios porque los cuatro protagonistas si es algo que no tienen es problema para superar la orquesta. Muy bien el coro, matizado y sin necesidad de cantar a grito pelado, la verdad es que se lucieron.

En definitiva, una puesta, con todas las modernidades técnicas que se quieran, muy clásica, con más que buen nivel general. Y una zarzuela recomendable a todos los que tengan prejuicios contra el género.

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¡Huy! ¡Se me olvidaban! ¡¡¡Los Gremlins!!!
Pues claro, en una obra tan conocida eran de esperar.
Porque... ¿quién es capaz de mantenerse callado cuando te suenan el soldadito, el apacible rincón de Madrid, el caballero del alto plumero, la montaraza de mis montes, el yo soy un caballero español - yo no soy extranjeeera, el cuánto tiempo sin verte, el por el amor de una mujer, el Luisa Fernanda cariño mío o la morena clara? ¡Es que todos los números son clásicos del género!
La primera en arrancarse fue una señora en el lateral derecho con la habanera del soldadito, inmediatamente chistada por sus vecinos.
Después fue un señor a mi izquierda el que murmuró el apacible rincón, pero se contuvo. Sorprendentemente, el público estuvo muy comedido (caramelitos aparte) durante el resto de la obra, pero ya al final los Gremlins no pudieron más y estallaron con el "Ay mi morena, morena clara".
Mi tx y yo, una vez más, éramos los más jóvenes del 2º piso, salvo un par de parejitas (y ninguno de los dos cumplimos ya los cuarenta, lo que me hace pensar si no hace falta una política de acercamiento del género a públicos más jóvenes, aunque sea con métodos salvajes tipo Mortier) y estoy convencido de que aquí a unos añitos pasaré a formar parte del grueso de la pandilla de Gremlins de sienes plateadas que corean las romanzas de zarzuela.

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Federico Moreno Torroba
Luisa Fernanda
Cristina Gallardo-Domâs, María Rey-Joly, Juan Jesús Rodríguez, José Manuel Zapata; Javier Alonso, Amelia Font, Xavier Ribera-Vall, Julián Ortega, Lucía Escribano.
Óliver Díaz, Luis Olmos.
Teatro de la Zarzuela.
Madrid, sábado 30 de abril de 2011.

Cavalleria y Pagliacci: verismo, pero menos

2011-04-18T10:51:00.008+02:00

Clásico programa doble en Barcelona, las óperas del Verismo, señores, la Cavalleria rusticana de Mascagni y los Pagliacci de Leoncavallo, pasen y vean.

Pues veamos.

Siempre lo he dicho: Cavalleria es una ópera que tiene que tener un equilibrio muy delicado para que salga bien: Ha de tener la suficiente pasión y tensión dramática para que nos creamos una historia rural de celos y venganza pero sin caer en la exageración. Pero es que si se queda corta puede resultar de una sosería infumable.

Y aquí nos hemos topado con dos "elementos" que han impedido que se logre ese equilibrio: el señor Callegari y la señora Cavani. Entre los dos han conseguido romper la unidad de Cavalleria y reducirla a una serie de números independientes entre sí.

Especialmente la orquesta, que si ahora toco deprisa, que si ahora despacio, que si ahora atronadora y sobre todo haciendo paradas "para el aplauso" tras cada fragmento. Era una sucesión de escenas cada una de su padre y de su madre. El intermezzo no es una pieza de disco de "música maravillosa para gente maravillosa a cargo de la orquesta de Ray Conniff", no. Tiene que reflejar la acumulación de tensión que va a estallar en unos momentos. Pues chico, aquí parecía que iba a salir en cualquier momento un cuerpo de baile como en las producciones made in José Luis Moreno.

Y si no teníamos poco con eso, la dirección de escena ha sido de lo más rancio que se puede echar uno a la cara y ha contribuido en mucho a esa sensación de números aislados con unos parones alucinantes. La conocía del vídeo del año 96 con Cura y la Meier pero no la recordaba tan aburrida. Convencional en los personajes principales pero impresentable en coro y figurantes. Todos entran de golpe, se colocan en semicírculo mirando al frente, se paran, cantan, terminan, se quedan unos segundos inmovilizados para que el público aplauda y se van (todos a la vez, por supuesto). Y luego los detalles repetidos: ¿cuántas veces salía una cabecita de entre cortinas para espiar lo que pasaba para desaparecer deprisa en cuanto uno de los protagonistas miraba? ¿Tres, cuatro, cinco? En fin. Decorado aceptable con cielo de fondo un poco cutre. Pese a estar ambientada en el siglo XX se puede considerar una producción de lo más clasicorra. Y definitivamente deplorable en cuanto a movimiento escénico.

Pues sí, los dos directores lastraron una Cavalleria que los cantantes intentaron salvar en lo posible. A Marcello Giordani ya lo he escuchado otras veces y sé de qué va: voz atrás, aburrida y mate, pero con agudos espectaculares. Pues no, esta vez ha estado muy homogéneo en todo el registro: claro, con intención y realmente brillante no sólo en los agudos. Muy, pero que muy bien como Turiddu. Ildiko Komlosi (ojo con las sopranos qué nombrecitos se gastan ahora) es una soprano de timbre agradable y voz potente. Cumplió como Santuzza pero le faltó garra. Santuzza es la catalizadora de toda la tragedia y aquí parecía más una víctima. Bien. Marco di Felice fraseó e interpretó bien pero con voz escasa de cuerpo abajo. Correcta, con gracia y con un timbre interesante la Lola de Ginger Costa-Jackson. Y Josephine Barstow tendría que haber dejado de cantar Mamma Lucias hace diez años. El coro, a grito pelao.

En una frase, que si no llega a ser por Marcello Giordani hubiera sido una función muy del montón. Yo la disfruté porque es una ópera que me encanta, pero mi querido TX, que estaba a mi lado, se aburrió y además le pareció "una bobada".

Media hora de descanso. Nunca más intentar cenar en ese intervalo. La culpa es mía, claro. Porque la ópera era la excusa, pero en realidad íbamos a hacer una visita a nuestros amigos de Barcelona. Y teníamos que quedar a las once de la noche ya cenados. Pensé que en los 30 minutos nos daría tiempo a tomar algo rápido, ¿y qué es el prototipo de lo rápido? Pues el horrendo McDonald's de enfrente del Liceo. Nunca más. Salimos corriendo, pedimos, engullimos cual ocas en granja de foiegras y volvimos corriendo al cuarto piso del Liceo. ¿Resultado? Olor insoportable a saborizante y una sensación de bolo alimenticio atascado en el esófago durante toda la noche. Horroroso. La próxima vez que nos esperen.

Payasos, de Leoncavallo.
Yo no sé que habrán pensado algunos con el título de la ópera, pero el sábado la zona de cuarto piso donde nos sentábamos estaba llena de niños. ¿De verdad sabían a dónde los llevaban? Dieron algo de guerra, pero más las mamás y papás intentando hacer que se callaran o dejaran de jugar con móviles y nintendos.

Con Payasos las cosas cambiaron a bien, menos mal.

Parece que la orquesta estaba más involucrada y como es una ópera que no tiene números tan independientes sí que se consiguió esa unidad que faltó en Cavalleria. Aún así, Callegari siguió emocionándose en demasía cuando había que tocar forte. Cavani también más contenida aunque con el mismo estatismo y los mismos recursos repetidos (anda que no hizo que mamás sacaran a niños del espectáculo cuando Canio se pone violento). El decorado, un intento de neorrealismo italiano años cincuenta, feo, cochambroso y de un vacío escénico tremendo. También terminó la ópera con una foto finish de todos paralizados. De función de fin de curso, vamos.

Los cantantes aquí estuvieron más modestos. Giordani acusó el esfuerzo de la Cavalleria y estaba menos cómodo en el papel. Aún así, nos obsequió un agudo interminable en su presentación y le dio sentimiento al Vesti la giubba. En el segundo acto la orquesta lo sobrepasó. Mejor de Turiddu que de Canio, pero aún así, muy buena noche de Giordani.

Ángeles Blancas ya sabemos cómo es: visceral y entregada, a veces en exceso. Solvente, no muy cómoda con el papel en la primera parte pero salvando los papeles, y mejor hacia el final. Bien.

Del Tonio, Vittorio Vitelli, mejor no hablar, con un prólogo inaudible. Correcto David Alegret como Beppe (el papel no da para más lucimiento que la serenata y también hay que hacer alguna auténtica barbaridad para cagarla).

Entre todos los elementos se puede decir que salió una función correcta y disfrutable (pese al Tonio y al emplasto de hamburguesa de pollo en el estómago, agh) y, desde luego, mucho más equilibrada que la Cavalleria.

Aún así, para un teatro de primer nivel como es el Liceu, la velada se quedó en un "bien" (y si no llega a ser por Giordani, no quiero ni imaginármela).

Ah, a la salida del Liceu se nos tiraron encima dos putas en la Rambla. Yo creía que eso ya no pasaba.

Pietro Mascagni
Cavalleria rusticana
Ildiko Komlosi, Marcello Giordani, Marco di Felice, Josephine Barstow, Ginger Costa-Jackson.
Ruggero Leoncavallo
Pagliacci
Marcello Giordani, Ángeles Blancas, Vittorio Vitelli, David Alegret
Liliana Cavani, Daniele Callegari
Gran Teatre del Liceu
Barcelona, sábado 16 de abril de 2011

Werther en el Real: Cuarto y mitad de chirlas

2011-03-22T10:34:00.005+01:00

Nunca entendí eso de que mi madre pidiera cuarto y mitad de chirlas en la pescadería cuando iba a hacer paella. ¿Qué medida es esa? ¿375 gramos?

Pues esa medida se me vino a la cabeza viendo el Werther de anoche en el Teatro Real de Madrid, porque prácticamente lo que se pudo disfrutar fueron los dos últimos actos, y como el último es cortito... pues eso, cuarto y mitad de ópera.

Pareció como si tanto orquesta como solistas se estuvieran reservando para la segunda parte de la ópera, porque la primera (los dos primeros actos) fue para dormirse, de un monocorde y un aburrido que daban ganas de marcharse en el descanso.

Vale que la ópera de Massenet va in crescendo y que el primer acto se hace pesadito con la presentación de personajes, los niños y el par Johann-Schmidt, pero en cuanto entra Werther en escena debería subir el voltaje de la función. Y esto aquí no ocurrió hasta el tercer acto.

Los dos últimos actos fueron de gran intensidad, con los intérpretes entregados , fluyó ese dramón romántico que es Werther y nos pudimos meter en la envolvente música de Massenet.

Giusepe Filianoti tiene una voz demasiado ligera para el papel, y Werther no es moco de pavo, es un rol inclemente. Filianoti hizo cosas bellísimas, fraseó de maravilla y consiguió ser elocuente sin pasarse en lo dramático, pero tuvo que luchar contra una orquesta que lo tapaba. Afortunadamente sacó todo de sí en el dúo con Charlotte y en el Pourquoi me réveiller (rapidísimo), llegando a componer una actuación más que digna.

A Sonia Ganassi le pasó tres cuartas de lo mismo. En los dos primeros actos no existió Charlotte, y las notas bajas le sonaban huecas. En la segunda parte ya sacó sus mejores bazas: unos agudos en forte que te dejan turulato, junto a sutilezas expresivas de alto nivel. Lástima que la ausencia de graves contundentes se cargara el efecto del aria de las lágrimas (preciosamente iniciada).

Charlotte está a merced de la voluntad de su familia y las convenciones sociales, uno de los personajes operísticos que más nervioso me ponen, porque se suele interpretar como una pava decimonónica que sufre y sufre pero no hace nada. O si la mezzo se desmanda, como una loca romántica totalmente fuera de sitio. La Ganassi, junto al director de escena, logra la perfecta conjunción: por una parte ella es toda una señora, con mucha pose y contención, pero cuando le hierve la sangre se desmelena como debe ser. Brava.

Albert fue un cumplidor Ángel Ódena, muy metido en su papel. Tanto que creo que se pasó de hieratismo.

La Sophie fue Auxiliadora Toledano (a esta chica habría que recomendarle que se pusiera un nombre artístico, comentaba divertida mi compañera de butaca, mientras su marido proponía en cambio que se cambiara el apellido a Toledana para que hubiera concordancia de género, cosas del público). Es de agradecer que no sea la habitual soubrette de voz de pajarillo con agudo estridente. Auxiliadora ofreció buenos agudos con un timbre interesante aunque de ahí para abajo tiene que ganar cuerpo en la voz.

A la orquesta le falta adecuarse un poco a las voces.

La puesta en escena tiene cosas que sí y cosas que no. Willy Decker tiene detalles de gran efecto dramático, como la mesa, la presencia de Albert en momentos clave o toda la escena de Charlotte y Sophie, frente a elementos particularmente flojos: el cuadro, los Schmidt-Johann siempre presentes, el infantilismo de Sophie o esos paseos de Werther por el escenario después de haberse pegado un tiro (Oh, cielos, he desvelado el final, perdonad por reventar el argumento).

Todo envuelto en un decorado de inspiración expresionista en el que la supuesta simplicidad y armonía de un decorado en dos niveles quedan rotas por elementos oblícuos y una diagonal que atraviesa el escenario desde el fondo hasta salirse por el foso de la orquesta con un gran contraste de color. Un poco Gabinete del Doctor Caligari más que la casa del Burgomaestre.

Cosas ya vistas: lo de los dos planos y las casitas del pueblo sonaban mucho a la Die Tote Stadt que pasó por aquí hace un año.

Por suerte decidimos quedarnos a la segunda mitad, la de las chirlas. Aplausos más que de cortesía y bravos para casi todos. Me imagino que siendo el estreno de este segundo reparto se irán puliendo aspectos y las cosas irán mejorando a lo largo de las funciones. Werther no estaba en Madrid desde el año 99, cuando Ramón Vargas consiguió esquivar la sombra de Kraus, y bien que merece la pena una revisión de este clásico.

Ah, en el primer reparto están José Bros y Sophie Koch.

Jules Massenet
Werther
Teatro Real de Madrid, lunes 21 de marzo de 2011
Giuseppe Filianoti, Sonia Ganassi, Angel Ódena, Auxiliadora Toledano, Jean-Philippe Lafont, Francisco Vas, Miguel Sola.
Emmanuel Villaume, Willy Decker.

Web del Teatro Real
Foro Unanocheenlaopera
El Werther de referencia
Otro gran Werther

La temporada 2011 - 2012 del Teatro Real

2011-03-15T16:53:00.010+01:00

De piedra me he quedado.
La verdad, uno esperaba cosas raras, pero ¿esto?

1. Elektra, de Strauss, con Christine Goerke/Deborah Polaski y Jane Henschel/Rosalind Plowright. Casi que me interesaba más el segundo reparto pero bueno, me toca el primero. Nada que objetar a una de las óperas más fascinantes que hay si no es porque será la tercera vez que se programa en los 15 años del Teatro Real. Dirige Bychkov.

2. Pelléas et Mélisande, de Debussy. Jamás la he escuchado en teatro. Un aliciente. Dirige Cambreling.

3. Lady Macbeth de Mtsensk, de Shostakovich. Gran ópera. También ya programada en el Real, aunque con ésta estoy más de acuerdo en que se repita.

4. Iolanta, de Tchaikovski + Perséphone, de Stravinski. Programa doble con dirección escénica de Sellars, muy apetecible. Oh, vaya, no me entra en abono. Hay que joderse. Intentaré pillar entrada suelta.

5. La clemenza di Tito, de Mozart. Ya podrían haber programado otro Mozart. La Clemenza me aburre soberanamente, el reparto no es nada espectacular y ya será la tercera vez que se represente en el Real.

6. C(h)oeurs. Un proyecto de ballet con música de Verdi y Wagner. Así, con dos cojones.

7. I due Figaro, de Mercadante, con Muti de director invitado. Obra bufa requetedesconocida. Yo tenía un amigo que decía que si había óperas que estaban olvidadas era por algo. Pinta de coñazo total.

8. The life and death of Irina Abramović. Espectáculo narrado por Willem Dafoe sobre una señora serbia que no tengo ni idea de quién era hasta hoy pero que por lo visto es muy famosa, con música de Antony (el de los Johnsons). Muy operístico, sísisisisí.

9. Cyrano de Bergerac, de Alfano, al servicio de Plácido Domingo y la Radvanovsky. Hombre, la primera mitad de la ópera es un rollete pero la segunda me gusta mucho, y la Sondra es la Sondra. Oh, vaya, tampoco entra en mi abono.

10. Poppea e Nerone, de Monteverdi orquestado por Boesmans. Dirige Cambreling y canta Nadja Michael. Nada que objetar salvo que la hemos tenido en este mismo teatro hace unos meses (sin orquestar por Boesmans, ya ves tú).

11. Ainadamar, de Osvaldo Golijov. Argentina, sobre García Lorca y la Xirgu. Dirección escénica de Sellars. Puede ser cualquier cosa.

En concierto La Finta Giardiniera de Mozart (con la Pendatchanska), Don Quichotte de Massenet (con la Antonacci y Furlanetto) y Rienzi de Wagner con la Kampe (que es la que me toca en el abono).

¿Qué? ¿Cómo te quedas?
¿Y te quejabas que la de este año era rara?

Vaticino bajas de abonados, y no por lo típico de que el abonado es rancio y conservador, sino porque tiene tela.

Oye, que lo mismo luego es una maravilla y salimos tarareando Ainadamar Lama Ay Dalai Dalai, bailando los c(h)orazones y performanceando como Piqué e Irbraimović. Pero qué quieres que te diga: así, sobre el papel, tiene una pinta tirando a chunga.

Los dibujitos, preciosos preciosos, vamos.
Dan ganas de volverse carca.

Toda la programación de la nueva temporada de ópera del Teatro Real de Madrid la puedes consultar aquí:
http://www.teatro-real.com/_catalogo/2011/
http://www.teatro-real.com/_catalogo/revista_150311/revista.pdf
Y aquí puedes ver cómo se tiran de los pelos:
Una noche en la ópera.

Madam Butterfly

2011-03-14T13:30:00.009+01:00

¡Ya estás pegando el grito!
¡¡¡Se dice Madama, se dice Madama!!!

Pues no.
Que de lo que voy a escribir es de Madam Butterfly, espectáculo en el Royal Albert Hall de Londres, representación de la Madama de Puccini EN INGLÉS.

Para esta producción el patio del coliseo se convierte en un jardín acuático con una casita en el centro de tal manera que pueda ser vista desde todos lados. El sonido es amplificado y los cantantes se van paseando por todo el perímetro, para que se les vea.

Al principio se hace muy raro y el oído tarda en acostumbrarse. Si a eso le añadimos lo raro que resulta escuchar la ópera en inglés la cosa se hace un poco durita, pero en cuanto ajustan el sonido y te vas haciendo el oído, ya se vuelve un poquito más natural.

Ni que decir tiene que la dirección escénica y los decorados son totalmente convencionales y sin transgresión alguna.

Básicamente lo mismo se podría decir del nivel de cantantes: ella supongo que sería Mihoko Kinoshita, según la web, porque no dan información alguna a no ser que compres el programa (y no, de eso ni hablar). A falta de apreciar proyección y emisión por el tema de los micrófonos, es una voz lírica correcta y capaz de llegar a las notas (nos escatimó el sobreagudo de la entrada, pero es tan peligroso que hay veces que es mejor que no lo den a que la primera impresión de Cio Cio San sea chunga). Eso sí, de profundización dramática en el personaje, cero. La chica cantó y punto. Da un poco igual que cantara en inglés, porque no se le entendía ni palabra (salvo los "yes" y tal, claro).

El tenor fue Philip O'Brien, de estos que tienen el timbre agudo y chilloncete que se te mete en el oído. Pelín impetuoso de más.

La Suzuki, imagino que Nina Yoshida Nelsen, se recreaba en la pronunciación y ofreció unos buenos graves.

A la Kate Pinkerton le dieron una frase más de lo habitual y el Sharpless (Louis Otey, siempre según la web) mantuvo el tipo, sin entusiasmar.

El coro se situó en los arcos encima de las gradas para el coro a boca cerrada y el amanecer, lo que dio una sensación envolvente bastante curiosa.

La orquesta, lenta y muy como de cassette de "Música Maravillosa Para Gente Maravillosa". Con decir que de lo mejor que les salió fue el dúo de las flores... El intermedio entre el segundo y tercer actos, deplorable.

Vamos, que era todo como muy aséptico. Todo sonaba al mismo volumen, con corrección, con una puesta de lo más clásica y unos cantantes aceptables. En definitiva, muy "de musical".

Es algo a lo que no se me habría ocurrido ir, pero entre que era relativamente barato, que no teníamos intención de ir a ninguna otra velada musical y que teníamos ganas de conocer el Royal Albert Hall por dentro, nos animamos y sacamos la entrada.

El público pues te lo puedes imaginar: gente "vestida para la ópera" (siento la pedantez pero había mucho exceso de mal gusto que atacaba a la vista, o es que yo no me he hecho todavía al estilo ramploncillo inglés) y en la zona en la que estábamos mucho colegio. Por supuesto que hablando, comentando, sacando fotos, grabando con el móvil, comiendo y bebiendo en la butaca, poniéndose de pie, saliendo y entrando de la sala... Uno sabe que va a un espectáculo, no a la ópera.

A ver, no estuvo mal, llamémoslo "turismo experiencial".

Giacomo Puccini
Madam Butterfly (Madama Butterfly, cantanda en inglés)
Royal Albert Hall, Londres.
Viernes 11 de marzo de 2011.

Anne Boleyn Convention Bureau

2011-03-07T09:51:00.010+01:00

Que tenía ya mono yo de Gran Teatre del Liceu, caramba, casi un año sin aparecerme por Barcelona, y qué mejor que la Anna Bolena de Donizetti, que es una ópera que nunca había visto en vivo.

Saqué entrada del segundo reparto por varias razones: fechas, precio y ya no sé si decir reparto, porque desde que compré las entradas en julio del año pasado hasta ahora creo que ha habido dos cambios de protagonista. Y la verdad, de lo único que me arrepiento de haber ido a este segundo reparto es de no haber escuchado a Elina Garança en vivo. Porque la verdad estuvo muy bien.

Maria Pia Piscitelli sabía lo que se traía entre manos y cuáles son puntos fuertes. Es una voz muy lírica, perfectamente ajustada al estilo belcantista, con fraseo delicado y atacando los agudos con seguridad. Se movió como pez en el agua como Bolena y además pegó tres o cuatro sobreagudos no gritados ni calados de los de dejarte asombrado. Concesión a la galería, sí, pero anda que no se disfrutan. Estupenda. Pero para acabar de enfervorizar un teatro tan grande como el Liceo le falta el toque "trompetero" en la proyección de la voz, más garra. Fue aplaudida, sí, pero menos de lo que se merecía. También hay que reconocer que entre el público asistente había muchos que habían ido "a ver a la Devia" o "a comparar con la Grube" y ya sabemos todos cómo somos los aficionados opereros, peores que los de los toros.

Gregory Kunde sí que tiene esos agudos trompeteros que hacer retumbar el teatro y te levantan de la silla. Olé con el señor, que ya tiene una edad, con su entrega y con los pepinazos que soltó durante toda la ópera. Cargó las tintas en la vehemencia del personaje, no es el colmo de la sutileza ni de la adecuación estilística, vamos, pero se agradece. Muy bien también.

Sonia Ganassi también se encuentra totalmente a gusto en el belcanto, lo disfruta y nos hace disfrutar, aparte de no necesitar exageraciones para ser expresiva. Estupenda arriba y abajo. Un gustazo.

Simón Orfila canta con un gusto excelente y se recrea en la pronunciación y el fraseo. Quedan, como siempre, esos cambios de color en el timbre que no sabes si es bajo, barítono o qué. Compuso un muy equilibrado Enrico.

Marina Rodríguez-Cusí se encuentra más cómoda cantando Smenton que en otras recientes ocasiones en el Real. Bien. Plazaola también apropiado como Hervey. La única voz que no me gustó fue la del Rochefort.

La orquesta acompañó, sin particular notoriedad, y el coro bien.

Se puede decir que la noche fue un éxito, sin llegar a enloquecer. Y el público salió escopetado. Vale que la Bolena es larguita y que en el segundo acto no hay nada de acción, pero tampoco es eso.

Otra cosa: Los Currutacas del Liceo. Siempre lo digo: en otros teatros se tose y se hace ruido, pero en el Liceo se habla mucho. Al lado tenía a dos señoras que no pararon de comentar los datos históricos. Al principio del segundo acto les pedí por favor que se moderaran, y siguieron hablando tan tranquilas, pero en voz más baja. Callaron un poco en los finales de acto, cuando se durmió una de ellas (y es que hora y media seguida de belcanto es mucho para algunos). Pero peor eran otros, un poco más allá, que dieron todo un recital de comentarios, toses, apertura de bolso, búsqueda de caramelito y todo el proceso siguiente hasta el "¿que ya estás mejor?" Delosnerves.

Ah, que no he puesto nada de la puesta en escena.
¿Cómo que no?
¿Y el título de esta entrada?

Coge unos paneles de madera, escaleras, unas cortinillas Bandalux, dos pantallas de vídeo, un proyector y ya tienes eso: un centro de convenciones: con sus paneles movibles para hacer más grandes o pequeños los salones, sus cabinas de control para que los seguratas miren las pantallas y el proyector para los Power Point. Y todo de baratillo, ¿eh?

Y, como es belcanto, hacemos que los cantantes se queden estáticos mientras cantan, que luego se quejan de que les hacen actuar.

Ah, sacaron perros (ideal para que mis adoradas currutacas hicieran los comentarios pertinentes de "qué macos" y tal) y un mini ballet. ¿WTF?

La cosa escénica fue de tal soplapollez que directamente la obvié. Fue como si hubiera sido una versión en concierto, sólo que de vez en cuando subían escaleras o se cambiaban de vestido (con un par de momentos "Letonia en Eurovisión" de quitar un vestido en escena para que debajo se vea otro). Lo único interesante, y desaprovechado, fue la presencia de los cuervos de la torre de Londres.

Los días 13 y 16 de marzo esta producción va a Lérida (aka Lleida) con casi el mismo elenco (Nancy Fabiola Herrera en vez de la Ganassi y no sé quién es el Percy). Oportunidad para quienes no hayan podido verla (aunque funciones ha habido de sobra, y el sábado se veían claros en el teatro).

El vídeo es del primer reparto, con la Gruberova y la Garança.

Gaetano Donizetti
Anna Bolena
Maria Pia Piscitelli, Gregory Kunde, Sonia Ganassi, Simón Orfila, Marina Rodríguez-Cusí, Joan Plazaola, Marc Pujol.
Andriy Yurkevych, Rafael Durán
Gran Teatro del Liceo, Barcelona, sábado 5 de marzo de 2011.

La Página En Blanco: ññiuuu ñiii pompompom.

2011-02-23T13:23:00.006+01:00

Gran estreno mundial. La Página En Blanco de Pilar Jurado en el Teatro Real de Madrid. Pánico. ¿Por qué? Porque ya sabemos cómo se las gasta la ópera contemporánea: recitativos/parlados, mucho grito, mucho ñññiuuuu ñiiiii y percusión por un tubo. Nada nuevo. Pero nada nuevo desde hace cuarenta años, no te vayas a creer. Qué razón tenía Julia Migenes cuando decía que la única música clásica contemporánea que aguantaba escuchar era la de las bandas sonoras del cine. Ay cuándo volverá la tonalidad, con lo bonita que era.

Pero, en fin, no seamos carcas, que luego nos saltan los defensores de aquella bochornosa Luna de José María Cano. ¿Y qué tal es La Página En Blanco de Pilar Jurado? Pues eso mismo: ñññiuuu ñiiii pompompompon con unos tlin tlin añadidos de piano, pero bastante más soportable y asequible a mi retrógrado oído que lo que me esperaba.

Musicalmente creo que tiene puntos de interés. Consigue crear y, lo que es más importante para mí, ilustrar bien las atmósferas que relata.

¿Y qué es lo que relata? ¿Cuál es el argumento de La Página En Blanco? Pues atención porque ¡es un thriller! así que si vas a ir algún día de los que faltan no sigas leyendo.

La ópera comienza con Ricardo, el compositor, que está creativamente bloqueado, tiene que componer una ópera y está bloqueado frente a la página en blanco que tiene delante. Recibe además la visita de la bruja de su exmujer que le amenaza con quedarse con todos sus bienes y los derechos de su obra.

Ricardo tiene ataques compulsivos durante los cuales consigue escribir. Pero está extrañado porque cada vez que escribe algo recibe un email en el que le llega exactamente lo mismo que él acaba de componer. Le cuenta el misterio a su amigo Xavi, una eminencia en cibernética, que se muestra emocionado con el tema y con las nuevas tecnologías. De hecho, parece que maneja a Ricardo con un mando a distancia. Xavi le convence de que use un nuevo robot cantante que acaban de inventar, que cantaría la ópera con absoluta perfección tal como Ricardo la conciba, aparte de la proyección y publicidad que generaría.

Ricardo está presionado por el director del teatro para terminar la ópera. Además, le ha sido impuesta una soprano, Aisha Djarou. Cuando soprano y compositor son presentados se establece química entre ellos. Aisha ejerce de musa inspiradora para la ópera de Ricardo.

Más tarde, en un oscuro y roñoso sótano, todos están pendientes de la evolución de la ópera de Ricardo, escondido por Xavi. Aisha manifiesta su preocupación al director del teatro porque la relación con Ricardo ha llegado al amor y se le está yendo de las manos. La exmujer de Ricardo llega con la prensa y amenaza a todos con que no habrá ópera sin su autorización.

En el segundo acto, Ricardo está maravillado con la participación del cantante robot y, gracias al amor de Aisha, ha logrado terminar la ópera.

En el sótano-laboratorio se descubre la realidad: Ricardo tuvo un accidente y estaba en coma irreversible. Xavi le introdujo un chip en el cerebro mediante el cual han conseguido "sacarle" la ópera al compositor. Lo que hemos visto hasta el momento ha sido sólo el mundo virtual presente en la mente de Ricardo. Todos están encantados con el resultado y el éxito, excepto la doctora Aisha (que no era soprano), que es la única que se lamenta de haber jugado con la vida y los sentimientos. Para evitar que siga existiendo como un despojo humano, Aisha desconecta a Ricardo de la máquina.

Finalmente todos aparecen maniatados en el laboratorio cantando la ópera de Ricardo, que va sobre el Apocalipsis. ¿O es un castigo por haber jugado a ser dioses? Ah, sólo Pilar Jurado lo sabe.

Maripili es lista, y ella es la compositora, libretista y protagonista. Incluso el apellido de la soprano es un anagrama del suyo. Sólo le ha faltado ser también la figurinista y la escenógrafa. y vamos, porque no podía dirigir la orquesta vía videoconferencia porque cantaba, que si no...

El problema es el mismo que cuando aquel insoportable Viaje de Simorgh: ¿por qué se empeñan los compositores en hacer ellos los libretos? O más bien, ¿por qué les dejan hacerlo? La historia de La Página En Blanco tiene una buena idea como punto de partida, pero se pierde. La estructura y la progresión dramática son malas de cojones. Y, como ya he dicho, Jurado se las ha apañado bien para acompañar música con argumento, así que cuando el argumento se convierte en algo infumable, la música también se resiente. Hay escenas absolutamente prescindibles, que no aportan nada y que aburren.

El principio de la ópera está bien y es atrayente, hasta la llegada del amigo, el empresario y la musa. A partir de ahí el primer acto se desploma y se convierte en un suplicio aburridísimo con un ligerísimo repunte al final.

¿Conclusión? Huída en desbandada del público en el entreacto. Lógico y normal.

El segundo acto sólo tiene salvables la introducción musical y el final. El resto es un despropósito monótono mal estructurado y anticlimático. Una pena, porque las ideas básicas están allí, pero no están nada bien plasmadas.

El texto es pueril y básico. Vamos, que lo podríamos haber escrito tú o yo. Y eso no me parece malo, porque acerca los diálogos a la vida real, pero claro, el nivel "literario" baja mucho mucho.

Creo que con haber controlado y atado más corto a Pilar Jurado, los resultados podrían haber sido hasta muy satisfactorios porque la materia prima era buena, pero la cosa le ha venido grande a ella sola, se le ha ido de las manos.

No me enrollo más. Puesta en escena muy descriptiva y además vistosa: muy buena. Cantantes también de nivel y coro llamativo (y algo estruendoso, pero supongo que son exigencias de la partitura). La orquesta me imagino que muy bien, porque a ver quién es el guapo que dice que han hecho mal un chirriuiiiichíííiii tlin pon pon.

Pilar Jurado.
La Página en Blanco.
Teatro Real de Madrid, martes 22 de febrero de 2011.
Otto Katzameier, Pilar Jurado, Nikolai Schukoff, Natascha Petrinsky, Hernán Iturralde, Andrew Watts, José Luis Sola.
Titus Engel, David Hermann

Ifigenia en Táuride

2011-01-21T10:00:00.007+01:00

Qué gustazo que después de tanto siglo XX se nos programe una ópera tan clásica.
Ifigenia en Táuride es una maravilla para los oídos. Escuchándola se da uno cuenta de verdad de eso tan leído de que Gluck es el reformador de la Ópera y el puente entre el Barroco y el Clasicismo. Sin tener ningún fragmento.... llamémoslo "tarareable", la música se mete en la cabeza y va fluyendo con una facilidad pasmosa, haciéndote partícipe del drama. No es una ópera que me pondría en casa para escuchar, pero en teatro se disfruta mucho.

Y encima anoche función sobresaliente, porque todos los elementos estaban a muy alto nivel.
Ovación para orquesta y coro, en su punto, sabiendo lo que tocaban/cantaban y haciéndolo a la perfección.

La producción es muy Carsen: espacio vacío y figurantes componiendo ellos los elementos de escenografía. Algo ya visto en los Diálogos de Carmelitas y que también recordaba a la Kabanova. Nada novedoso pero muy efectivo y yo diría que magistral, porque sólo con espadas, tiza, agua y juegos de luz y sombras consigue explicar perfectamente el argumento, con momentos que ponen los pelos de punta.

Porque vamos a ver las dos maneras de ver el argumento de Ifigenia en Táuride:

1) Ifigenia es una sacerdotisa que debe sacrificar a los dioses a todo extranjero que llegue a la isla de Táuride. Allí llega Orestes, su hermano, aunque no se reconocen. Cuando está a punto de hacer el sacrificio, descubren que son hermanos y la intercesión de Diana les permite huir y volver juntos a Micenas.

Ésta es básicamente la idea que nos pusieron en el Teatro de la Zarzuela hace unos quince años, con Diana Montague acojonada cantando encima de una torre de unos cuatro metros de altura en una producción muy estrambótica de beni Montresor para el Colón de Buenos Aires. El final con la diosa Diana en plan Estatua de la Libertad/Norma Duval con profusión de neones y chiribitas fue de traca.

y 2) Agamenón ha ofrecido en sacrificio a su hija Ifigenia para calmar a los dioses. A la vuelta a casa tras la guerra de Troya, es asesinado por su mujer Clitemnestra (de verduras) y su amante. Su otra hija, con un complejo de Electra que te cagas -cómo se llamaba... cómo se llamaba...-, clama venganza y hace que su hermano Orestes vengue a su padre, matando a madre y amante. Electra se vuelve loca y Orestes acaba atormentado y perseguido por las furias por parricida. Acaba como quien no quiere la cosa en Táuride, donde Ifigenia está de suma sacerdotisa porque Artemisa/Diana la salvó en última instancia pero nadie se había enterado. Ifigenia debe sacrificar a todo extranjero que aparezca por allí y claro, le toca cargarse a su hermano.

Esto es lo que nos cuenta Carsen: un dramón de padre y muy señor mío con una familia en la que los que no se han matado entre ellos están o locos o creyendo que los demás están muertos. El final feliz de la ópera no es tan happy ending como parece: los dioses lo arreglan todo y hala, a volver a Grecia tan panchos pero, ¿en qué estado y a qué precio? El momento final de la obra es sobrecogedor.

Pero claro, por mucha puesta en escena no hay ópera que funcione sin unos intérpretes de nivel. Y ayer estuvieron todos de miedo.

Maite Alberola (la Katiuska alienada) estuvo deliciosa de diosa Diana. Y además cantando desde fuera del escenario con un efecto sonoro muy llamativo.

Paul Groves salvó Pílades pese a algún problema de emisión. Totalmente dentro de estilo, se marcó un final de tercer acto impresionante.

Plácido Domingo, el día de su 70º cumpleaños, que se dice pronto, estuvo estupendo. Vale que no es un papel para tenor y que su estilo de canto no va para nada con el clasicismo, pero joder, para quitarse el sombrero. Y esta vez más porque normalmente Domingo adapta los papeles a su propio estilo de canto (véase el Tamerlano de Händel, donde Bajazet se moría de una manera la mar de verdiana) pero esta vez se ha adaptado él al papel. Y además sin chupar cámara ni robar protagonismo.

Porque la prota la prota la prota es Susan Graham.
Qué maravilla de señora.
Y mira que yo sólo la había escuchado en algún barroco y en el disco de canciones francesas y me esperaba a la típica mezzo de bonito timbre y mucho gusto pero poca voz. ¡Para nada!
Voz homogénea, con proyección, con técnica, bella, expresiva... vamos, todo.
y le daba igual cantar atrás del todo, contra la pared o en la boca del teatro, sin ningún problema para oírsela.
Supo transmitir perfectamente el patetismo de su personaje, sus dudas, sus anhelos. Brava.

Hacía tiempo que no veía lanzar flores al escenario. Vale, ya estaban previstas, pero esta vez, con toda la razón.

Que muy bien, que salí con la satisfacción de haber presenciado un peazo espectáculo.

Ah, obsérvese el quintocoñismo de la posición de mi butaca, y eso que es en la parte baja del Paraíso :-)

Enlaces:
Teatro Real
Una noche en la Ópera
Producción del Colón

Gluck.
Iphigénie en Tauride.
Teatro Real de Madrid, jueves 20 de enero de 2011
Susan Graham, Plácido Domingo, Paul Groves, Maite Alberola, Franck Ferrari
Thomas Hengelbrock, Robert Carsen

El niño judío

2011-01-17T10:22:00.002+01:00

Iba con muchas ganas a este niño judío del que tan bien había oído hablar cuando se programó en el año 2001. Y ay, chico, qué quieres que te diga. Vale que la música es de alto nivel y que la producción está cuidadísima, pero me ha parecido un tostoncete de no te menees.

Don Jenaro no quiere que su hija Concha se case con Samuel porque es judío, pero cuando descubre que en realidad es hijo de un rico comerciante judío de Siria, lo dejan todo y se embarcan los tres a la búsqueda del padre del chico. En Alepo descubren que el padre es un rajá de la India, y allá que se van, corriendo aventuras y peligros. Allí descubrirán finalmente el origen de Samuel, el niño judío.

No es que el texto se haya quedado anticuado o que el argumento sea absurdo, que a eso está ya uno acostumbrado, es que lo pretendidamente humorístico de la obra no me hacía ni pizca de gracia. Todo estaba salpicado de chistes y gracietas que encontré supertrasnochados. Y encima es una zarzuela en la que se habla mucho, muchísimo. De hecho, el primer cuadro no tiene más música que la del preludio. Vamos, que es una obra que para mí no hay por donde cogerla.

Pero claro, con ese libreto que se presta a todo tipo de delirios orientales, le pones una producción muy vistosa sin ser ostentosa ni escandalosamente espectacular y la adornas con un buen cuerpo de baile y voilà, queda una función la mar de llamativa.

La música es la mar de inspirada. Luna tenía una gran capacidad de crear melodías (la canción de Manacor es modélica en este aspecto). Siguió la moda de la época de ambientes exóticos pero dando toques españoles. Vamos, que tanto a la danza de las esclavas de Alepo como la de las sacerdotisas de la India les pones una castañuela y un taconeado y tranquilamente pasan por typical spanish.

Para esta representación se ha sustituido la trova de la esclava Rebeca por la danza del fuego de Benamor, otra zarzuela de Pablo Luna, un fragmento precioso, con la salvedad de que una señora que tenía dos filas más atrás creía que estaba en Madama Butterfly y se empeñó en canturrearlo como en el coro a boca cerrada.

La perla de El Niño Judío es la canción española. Conocidísima, maravillosa y justificadísima su fama. Y esta vez no fue señora cantando, sino una auténtica sinfonía de toses. Hombre, yo ya sé que la edad media de las personas que vamos a la zarzuela es de elevada a muy elevada y que en invierno se corren estos riesgos, pero joder, que ayer el teatro parecía un concurso de bronquíticos.

Por otra parte, como aparte de la canción española no hay fragmentos requeteconocidos, los Gremlins habituales no cantaron al ritmo de la música (además con los sobretítulos proyectados este es un tema peligrosísimo, porque ya no importa que no se sepan la letra: la leen). Las dos señoras de detrás nuestro nos proporcionaron una auténtica lección culinaria con una discusión acalorada sobre si la mousaka debe llevar o no patata (antes de empezar la zarzuela) y sobre las diferencias entre el cocido madrileño y el montañés (en el intermedio) mientras el señor a su lado decía: "oh, no, hoy tenemos cacatúas". Pero no, en cuanto empezó la música se comporatron como debe ser e incluso chistaron a los que hablaban. Muy bien.

Muy bien las coreografías y los bailarines. Antes de empezar, y durante el descanso, un grupo de danza oriental amenizó al público con tres hombres tocando una especie de bongos (el del centro, guapísimo, el hombre, no los bongos) y una chica con una espada. Y con alfombras e incienso para crear ambiente.

Del nivel musical la verdad prefiero no hablar mucho. A los cantantes (dos) los he escuchado en mejores ocasiones. El resto son actores que defienden bien las partes cantadas. Destacaría sólo a Jesús Castejón, solvente tanto cantando como actuando en el doble papel de los padres de la criatura y que además es el director de escena. La presencia de Eduardo Gómez (el portero de Aquí No Hay Quien Viva) puede que haga mucha gracia a los viejecitos del público al ser una cara conocida de la tele, pero, la verdad, a mí no.

Al principio me aburrí mucho. Luego intenté disfrutar de la parte musical y ya en el segundo acto la cosa se animó un poco. Pero vamos, la tan publicitada "astracanada cómica ideal para acercar la zarzuela a los nuevos públicos" para mí se quedó en una "digestión un poco pesada".

El teatro estaba lleno, quise sacar entradas para mis padres y estaban agotadas. Los laterales de arriba estaban vacíos, por lo que deduzco que en el Teatro de la Zarzuela ya no se venden las localidades de visibilidad nula.

Pablo Luna.
El niño judío (1918).
Teatro de la Zarzuela, Madrid, domingo 16 de enero de 2011.
Beatriz Lanza, Rafa Castejón, Miguel Sola, Jesús Castejón, Pedro Miguel Martínez, Berta Ojea, Ornili Azulay. Luis Remartínez / Jesús Castejón.

El caballero de la rosa

2010-12-27T09:50:00.006+01:00

Der Rosenkavalier aterriza en Madrid como gran baza para la temporada navideña y a mí me toca en el abono la última función, es decir, es imposible no estar influido por críticas de prensa o por los habituales comentarios en los foros o blogs de internet. Pero lo conseguí, no leí nada y sólo me llegaron algunos apuntes, y todos decían que eran unas funciones de muy alto nivel.

Suficientes como para quedarme perplejo en el primer acto. ¿Esto es lo maravilloso maravillosísimo? La orquesta renqueante, la mariscala inaudible y todo con un aire "discretito discretito". La leche. Me quedaban todavía dos actos y is amigos estaban celebrando una cena de navidad a tres pasos de allí. Vamos, que las tentaciones para salir pitando me rondaban por la cabeza.

Afortunadamente no lo hice, porque la función levantó el vuelo en el segundo acto y terminó con un tercero precioso.

Pero es que el primer acto... menudo tostón. La orquesta sonaba embarullada y sin ningún brillo. Anne Schwanewilms empezó no fría, lo siguiente. Debe ser que se tomó muy en serio la introspección del personaje y se lo metió tan dentro que los demás ni nos enteramos. Cuando la Mariscala dice eso de "me has peinado como a una vieja" y hasta el final del acto se nos tiene que caer el alma a los pies, y no, fue igual que si dijera "este yogur está caducado". No se trata de cantar piano o de que las mariscalas tengan que tener un torrente de voz (recordemos a la última mariscala en Madrid, una deliciosa Felicity Lott hace diez años), es que la Anne no existía o tenía una mala noche. Ya en el monólogo como que se metió en el papel, pero era tarde, porque nosotros no estábamos metidos en la ópera.

José Manuel Zapata sacó adelante al tenor italiano, graciosísimo en la interpretación y con los agudos apoyados y con esa incertidumbre que hace que pienses eso de "aaaaay, que no va a llegar".

Afortunadamente estaba Joyce DiDonato, metida del todo en su papel, con una muy buena interpretación de Oktavian. Graciosa sin pasarse, suficiente de volumen e intención. Muy bien, me gustó mucho y fue la que salvó el primer acto.

Menos mal que las cosas mejoraron, y para mucho, a partir del segundo. Tate consiguió despertar a la orquesta y sacó todo el jugo a esos valses decadentes de Strauss. De Richard, no de Johann, que ya conozco anécdotas de personas disgustadas en un concierto Strauss por escuchar los cuatro últimos lieder en vez de valses.

Lo dicho, la orquesta, a partir de entonces, estupenda.

Franz Hawlata fue el típico barón Ochs. Justito de voz pero haciendo todos los aspavientos y exageraciones que tocan.

Laurent Naouri muy bien como Faninal, tanto en lo vocal como en lo escénico. Lo que se dice un lujazo de secundario, vamos.

Y Ofelia Sala cumplió bien con Sophie y se sacó unos agudos bien bonitos en la escena de la rosa, perfectamente emparejada con DiDonato. Aparte, también en lo actoral estuvo muy apropiada.

En el tercer acto apareció por fin la Schwanewilms, derrochando la prosodia y expresividad que nos birló en el primer acto. Y con volumen y belleza tímbrica. Menos mal. El trío final, con todos inspiradísimos, llegó a niveles muy altos y conseguí salir de la representación con esa mezcla de sentimientos de ensoñación/resignación desencanto/esperanza que esta ópera te mete en el cuerpo.

La producción es de Wernicke y está disponible en un vídeo con las Fleming, Koch y Damrau y aún así el Teatro Real tiene el morro de anunciar "nueva producción EN el Teatro Real" para confundir al espectador.

Consiste en una serie de paneles con decorados y espejos que los reflejan, formando un estético efecto óptico. Desde Paraíso por lo menos se veía muy logrado. No me hicieron falta pelucas, lámparas ni muebles rococó. Creo que es una ópera que se presta mucho a recargarse de decorados pero que al final estorban. Me gustó mucho la propuesta de Wernicke.

Vamos, que salvo un primer acto bastante bodriete, la sensación final fue de noche más que satisfactoria en el Real y perfecto anticipo de atracón de polvorones y turrones para la navidad.

Richard Strauss
Der Rosenkavalier
Anne Schwanewilms, Joyce DiDonato, Ofelia Sala, Franz Hawlata, Laurent Naouri, José Manuel Zapata
Jeffrey Tate, Herbert Wernicke
Madrid, Teatro Real, miércoles 22 de diciembre de 2010

Manon en Valencia

2010-12-20T09:37:00.009+01:00

Segunda vez que voy a Valencia a Les Arts y me reafirmo en mi opinión: Calatrava hace los edificios para que se vean, no para que los seres humanos los utilicen. Esta vez tenía una butaca de segundo piso lateral. Buena visibilidad porque hace mucho que cambiaron la orientación para que los espectadores vieran el escenario y no a los del lateral de enfrente. Pero se les ha olvidado una cosa: no caben las piernas y la rodilla te pega con una barandilla que tendrá sus buenos veinte centímetros de ancho. Absurdo.

Por otro lado el público valenciano es curioso: en cuanto la temperatura baja de los 20 ºC aquello se convierte en un desfile de visones y ramuskés. Hay que entenderles, tienen pocos días de frío al año. Qué pena que el sábado lloviera, había menos de los habituales. En cuanto a comportamiento, en la función del sábado creo que sólo sonó un móvil (no es la tortura telefónica del Teatro Real) y no hubo demasiadas toses (aunque, como siempre, en los momentos más inoportunos). Eso sí, la gente habla. Mucho. Mucho más que en el Liceo, que ya es decir. En cuanto los cantantes se callan, aunque la música siga, todos a comentar.

Y fui a ver la Manon massenetiana.

Quería llevar a mi tx a que conociera el teatro y, por fechas y producción pensé que era la más apropiada. Meeeeec. Error. Se aburrió. La música no le motivó mucho no le gustó el argumento. Pobre, era la segunda ópera sobre Manon que veía, ya lo llevé a aquel Boulevard Solitude del Liceu.

Y es que Manon es pesadita. El primer acto, salvo que la soprano haga el premier voyage sensacional, es una plastez, y el segundo no se anima hasta la petite table y el fermant les yeux. El tercer acto es el más vistoso, con la gavota y el maravilloso cuadro de Saint Sulpice y luego la ópera decae otra vez hasta el emocionante final. Está a caballo entre la grand ópera francesa (los cinco actos, el ballet) y un lenguaje operístico más evolucionado, pero no tira ni para uno ni para otro. Y se hace larga, sí.

Tengo una grabación en la que se prescinde del cuadro del Cours de la Reine y la gavota la cantan en el Hotel de Transilvania, plus algunos cortecitos de más. Sí, ya lo sé, es un sacrilegio, pero aligera la ópera y condensa lo mejor de su música.

Mi tx se desesperó con el argumento: ¡Pero bueno!, me decía, dos horas con que te quiero no te quiero nos fugamos y nos volvemos a fugar... ¡y luego en diez minutos lo despachan todo y no te enteras de lo que ha pasado!
Ay pobre, sólo falta que le lleve a la Manon Lescaut de Puccini y que alucine en colores cuando de repente aparezcan en el oeste americano.

Nada más sentarnos y apagarse las luces, voz en off. Yo pensé que era para decir que apagáramos los teléfonos pero no, nos avisan de que el tenor Vittorio Grigolo sufre una indisposición y en su lugar el papel del Caballero Des Grieux lo va a cantar Jean-François Borras. Fantástic, cancela el director de orquesta, cancela el tenor. Miedito daba, sobre todo después de lo que me habían contado de que a la prota no se le oía nada y que la orquesta tapaba todo.

Pero mira, no. Hay veces que una conjunción de elementos adversos consiguen que todo el mundo se intente superar un poco y lograr una buena noche. Y, sin ser un despiporre de decir que fue excepcional y maravillosísima, para mí fue una muy buena velada.

La orquesta parece que escuchó las críticas de anteriores funciones y no estuvo tan decibélica como me habían contado. Efectista y contundente en los momentos culminantes, sí, pero sin ser una tralla. Eso sí, poco matizada en las partes líricas.

De Ailyn Pérez me temía lo peor, francamente. Y no. No tuve ningún problema para escucharla, así que su tan cacareada falta de volumen no la aprecié yo. El timbre me recordaba en los graves al de Victoria de los Ángeles -con reservas, claro-, arriba es más ligera y llega al agudo sin dificultad (sí, vale, los sobreagudos se le abren y las agilidades ahí ahí, pero a ver quién es la guapa que aguanta el papel sin despeinarse). Consiguió muy buenos momentos en la petite table (¿hacía falta que se despatarrara sobre la mesa?) y en el final. Creo que es una Manon más que convincente y trabajada.

El problema viene con las comparaciones. Hay tantísimas referencias ya que es imposible no hacerlo. Además, cada Manon es un mundo aparte. De los Ángeles, Sills, Gheorghiu, Caballé, Cotrubas, Dessay, Damrau, Netrebko, Freni. Cada una hace suyo el papel y lo lleva a su terreno. Ailyn Pérez no llega a crear una Manon de referencia y característica, pero se adecúa al papel, al estilo y salva con notable la parte.

Des Grieux es ya otro cantar. Estamos acostumbrados en los últimos años a interpretaciones italianizadas y casi veristas: Villazón, el Alagna de los últimos tiempos (no el de sus principios, ojo), el mismo Grigolo. Es un papel muy goloso para un tenor porque con cuatro exageraciones y dos golpes efectistas se come la representación. Luego pasa lo que pasa, que llega el fermant les yeux y no son capaces de plegarse al estilo y a la delicadeza de la música.

Borras llegó deprisa y corriendo, según cuentan, el mismo sábado para hacerse cargo del papel. Se notó en cierto nerviosismo en el movimiento escénico, en un par de frases que se le olvidaron, en la apuntadora que le soplaba el texto como una loca y en un vestuario que le sentaba como un tiro. Vale que el chico no es el figurín de Grigolo sino que más bien tira a osito con sobrepeso, pero por favooor, esos pantalones con la cintura debajo de los sobacos como si fuera Julián Muñoz...

Vocalmente fue todo lo contrario a los Des Grieux vociferantes y veristas que comentaba. Idiomático, refinado y sin excesos. Vale, su Fuyez no es tan efectista, pero el papel en conjunto le iba muy bien. Y además cuando quería pegaba unos pepinazos arriba que temblaba el misterio. Me pareció que si se lo curra puede llegar a hacer cosas muy interesantes.

Fue calurosamente aplaudido por público y resto de sus compañeros.

Pues eso, que básicamente los dos protagonistas estuvieron en su sitio, defendieron notablemente sus papeles y mantuvieron el interés de la función

Del resto de cantantes, Ruciński estuvo correcto, con la voz un poco "seca" y Aceto exhibió graves. Emilio Sánchez fue el único que interpretó además de cantar, y las tres chicas pegaron los gritos de grulla que requieren sus roles (no las culpo a ellas, son unos papeles ingratísimos, sólo comparables a las Mercedes, Frasquitas y el dúo de graznadoras de la Lecouvreur).

Huy, la puesta en escena, que se me olvida.

Es una versión actualizada a los años 50 del siglo XX, muy colorista y sin exageraciones ni provocaciones. Manon lee una revista de cine y sueña con ser una estrella, los focos la persiguen hasta su final muy en plan Lo Que El Viento Se Llevó. Está bien, pero los decorados tienen un punto cutre de baratillo que lo desluce un poco. Me imagino que vista en vídeo ganará porque no cantarán tanto las estatuas o el tren de cartón. De hecho, en las fotos se ve mejor que en el teatro. Quizás una iluminación más cuidada diera más juego. Pero vamos, bien, muy vistoso y entretenido todo. Y más que correcto el movimiento de cantantes y coro. Muy bien resuelta la escena de Saint Sulpice con el coro de beatas y luego cada uno de los cantantes a un lado de la reja.

La producción está editada en DVD/BluRay con Netrebko y Villazón y hay varios youtubes por ahí danzando.

Jules Massenet
Manon
Ailyn Pérez, Jean-François Borras, Artur Ruciński, Raymond Aceto, Emilio Sánchez, Andrea Porta, Ilona Mataradze, Ekaterina Metlova, Natalia Lunar.
Jordi Benàcer, Vincent Paterson
Palau de Les Arts Reina Sofía, Valencia, sábado 18 de diciembre de 2010.

Otra Vuelta de Tuerca

2010-11-10T11:24:00.014+01:00

La primera vez que vi The Turn of the Screw de Britten fue en Barcelona (en el Teatre Victoria, cuando el Liceu estaba socarraet) y casi me duermo en la primera parte pero en el segundo acto conseguí meterme tanto en la obra que hasta me dio miedo, y salí encantado. Sobre el primer acto, en mi descargo hay que decir que fue un domingo a las cinco de la tarde -sopor, sopor- y que la música de Britten no es que sea precisamente muy animada, je.

Había tomado con precaución esta Otra Vuelta de Tuerca del Real. Las críticas leídas en la prensa hablaban de un teatro demasiado grande para una ópera de dimensiones tan reducidas, lo que provocaba una lejanía entre el espectador y la obra.

En parte no les falta razón, tanto teatro como escenario son enormes, pero de lejanía nada. Afortunadamente se ha contado con una orquesta estupendamente dirigida por Josep Pons (¿cuántos eran, sólo 13?, fantástico trabajo) y unas voces que no tuvieron ninguna dificultad en llenar el espacio y la distancia con el público.

Tremenda Emma Bell, que lo mismo te canta un Mozart que un Britten. Templada y afinada y una voz potentísima. Una gozada de institutriz. Puede que interpretativamente no llegue a transmitir el estado febril que necesita el personaje, pero en eso hay más culpa del director de escena, creo yo.

Bien los niños (la Flora, estupenda), muy intensa la Miss Jessel y un ole para el Peter Quint de John Mark Ainsley, que caramba la dificultad que tiene el papel. El ama de llaves fue Marie McLaughlin. Da gusto ver cómo una de las traviatas más cursis de los 80 (todos la conocíamos, era el único vídeo VHS que circulaba comercialmente por aquella época) ha dado paso a una buena e incisiva característica.

Vamos, que en el aspecto musical me gustó todo mucho.
En el escénico... no tanto.

Los decorados me parecen muy apropiados: con una iluminación adecuada, tres paneles y unos pocos elementos que cambian de sitio se consigue perfectamente la ambientación necesaria para esta ópera. Ninguna objeción.

Pero sí a la dirección de actores por un asunto fundamental: los fantasmas.

La institutriz ve fantasmas. No sabemos si son reales o sólo (que ahora se escribe sin tilde) fruto de su imaginación, pero en la ópera de Britten están, y cantan.

Y McVicar los coloca y mueve como a los personajes reales. Vale que tampoco pido efectos especiales demenciados o sorprendentes, pero para mí que un fantasma llegue andando, se pasee como Pedro por su casa y luego se vaya tan campante... como que no, que no me da la atmósfera que la historia cuenta ni la ambigüedad sobre si existen o no. Algo más de juego de luces, alguna transparencia, no sé. En las funciones de Barcelona la aparición de Miss Jessel era terrorífica, aquí no llega ni a inquietante.

Por otro lado, al personaje de la institutriz le falta un punto de fragilidad mental. Sí, se ve que está algo perturbada, pero más como una heroína operística clásica que como la mujer obsesionada que es.

También es cierto que no puedo evitar tener en mente la tremendísima recreación del personaje por parte de Deborah Kerr (qué mujer tan fina) en la película The Innocents (Suspense, 1961), o la novela corta de Henry James en la que se basa la ópera, donde la institutriz es víctima de la fortísima represión sexual victoriana. Y sí, el libretto de la ópera no lo refleja bien, pero a estas alturas en las que estamos curados de espanto con las producciones operísticas, hacer mayor hincapié en este aspecto no hubiera estado mal. Recomendadísimas tanto la peli como la novela.

Que sí, que me ha gustado, y mucho, pero para mí también tiene el pero de no haber logrado un ambiente más inquietante. De todas formas, recomendable totalmente.

Ah, para los comentarios típicos de operafánatico "yo he visto la mejor función del mundo del año catapum y tú no y además tengo la más rara referencia en disco -en directo, of course- y con sonido de huevos fritos", diré que no fui a la producción de la que todo el mundo habla maravillas del Teatro de la Zarzuela con Raina Kabaiwanska.

Y a los que esperaban crónica del Mahagonny lo siento, pero tampoco fui. Es una obra que no me gusta y ese día estaba cansadísimo.

The turn of the screw, de Benjamin Britten
Emma Bell, John Mark Ainsley, Jacob Ramsay-Patel, Nazan Fikret, Marie McLaughlin, Daniela Sindram.
Josep Pons, David McVicar.
Teatro Real de Madrid, lunes 8 de noviembre de 2010

Y no puedo terminar sin poner Los Inocentes, una canción dedicada a los niños Miles y Flora a cargo de La Monja Enana, uno de mis grupos favoritos, je je:

Chichi se pone seria

2010-10-14T09:36:00.004+02:00

La temporada pasada no fui al recital de Cecilia Bartoli porque un par de razones:

La primera porque era la gira de su disco Sacrificium dedicado a los castrati, y es un disco que me pone muy de los nervios. Y la segunda porque después de los conciertos dedicados a Malibran y a Rossini, estaba ya yo un poco cansado del carácter show-woman que se marca la buena mujer, y más de las reacciones hiperexageradas del público.

Este año no he cogido el abono de recitales vocales porque, la verdad, me parecía poco interesante, pero al leer que el recital de la Bartoli estaba dedicado a Händel me animé a comprar entrada.

Esta vez sí que fue auténtica butaca de paraíso, de arribota del todo, con lo cual oh, el peligro de siempre con esta mujer: ¿llegaría la voz de la Bartoli allí arriba? Y, con la mala vista que me gasto, encima me iba a perder sus gestos y muecas, que la Chichi no deja que la filmen las cámaras y podamos verla en las pantallas que hay en la parte alta del teatro.

El inicio no pudo ser más desesperanzador: cómo se le ocurre empezar con un mini aria de bravura llena de coloraturas en la que la proyección de la voz se debió de quedar en la fila 6 del patio de butacas. A afinar oído y vista tocaba. Menos mal que luego ya calentó la voz y el resto del recital, sin problemas, pero vamos, que al principio casi me quedé helado.

Esta vez el recital ha sido más serio, sin tanta concesión al público: una serie de arias de Händel que no estaban dentro de lo más trillado y archiconocido. Se iban alternando arias lentas, algo más animadas y de coloratura salvaje.

Como de costumbre, las más celebradas son las arias en las que la Bartoli despliega su fiato y su característica ametralladora de semifusas. Muy espectacular, como siempre. Pero el mayor aplauso de la noche, y con toda la razón del mundo, fue para el "Scherza infida" de Ariodante. Se acaban los adjetivos: creación mágica, introspectiva, lejana del efectismo pero efectiva. Es en esta pieza donde se puede apreciar de verdad todo lo que vale esta mujer, la redondez y belleza de su voz. Muy similar también el aria de Alcina que se marcó en la segunda parte.

Y me dije yo: al margen de amaneramientos y poses, que los tiene, lo que hace de la Bartoli única es esa capacidad de expresar. La misma aria de Alcina puede resultar un petardo insufrible de diez minutos de duración en otra voz que lo mismo puede ser de mejor "calidad" si se canta de una manera monótona, pero en manos de Bartoli se convierte en una maravilla disfrutable de principio a fin, llena de matices. Un lujazo, que se dice.

En cuanto a las arias de coloratura, ya sabemos cómo se pone. En cuanto empieza a abrir los brazos y tensar los dedos de las manos hay que prepararse porque se va a lanzar. En el final de la segunda parte, Teseo de Händel, la chica del oboe las pasó canutas para seguirla. Fantástica Cecilia en el final de la primera parte y en los dos bises, el Da Tempeste del Julio César y aquella que se hizo tan famosa con la película Farinelli, Son qual nave, de Broschi.

Y el acompañamiento, excepcional. Il Giardino Armonico son la quintaesencia del Barroco. Y quien piense que el Barroco es aburrido, monótono y repetitivo, que se escuche la obertura de Gedeone, de Porpora, que se marcaron. De poner los pelos de punta.

¿Pegas al recital? Sí, quizás demasiado largo el programa y una primera parte mucho más vistosa que la segunda.

Ha sido un concierto mucho más "serio" que los últimos a los que había asistido de la Bartoli. Y lo he disfrutado mucho. Más que la soirée rossiniana.

Ah, los detalles de estilismo: sobrio vestido negro en la primera parte (nada de arrancar los cortinajes del salón como suele acostumbrar) y un desfavorecedor vestido a dos tonos en la segunda (el del vídeo de arriba). Y los clásicos Swarovskis deslumbrando. El público, más comedido que de costumbre en estos eventos aunque alguna mamarracha aislada disfrazada de "voy a la ópera" sí que había.

Recital de Cecilia Bartoli en Madrid,
Teatro Real, miércoles 13 de octubre de 2010.
Il Giardino Armonico
Obras de Händel

Ha muerto Joan Sutherland

2010-10-11T17:38:00.002+02:00

A los 83 años (tampoco tantos, ¿no?).

Aquí, algo no muy habitual en ella:

Una pena.

¡¡¡ Y sigo con Onegin !!!

2010-09-23T05:17:00.001+02:00

A raíz de un comentario en la entrada anterior de mi querido cobloguero el cada día más musculoso hunktenor Eleuterio, paso a hacer unos comentarios sobre discografía del Eugenio Onegin de Tchaikovski.

Vamos a ver: la grabación de referencia inapelable que nos van a recomendar por todos lados es la de Boris Khaikin al frente del Bolshoi en 1956 con Galina Vishnevskaya jovencita y un montón de rusos de cuyo nombre no me acuerdo. Idiomática, desde luego, y con una tensión orquestal fantástica. Yo tengo un problema con esta grabación, y es que no puedo con el timbre de la Galina. Será todo lo rusa que sea y cantará como hay que cantar esta ópera, pero esa vocalidad que sale como de atrás se me hace feísima. Aunque está editada en Melodiya, yo la compré de baratillo y de una casa rusa completamente desconocida, con lo cual es posible que mi aversión a esta grabación venga del penoso sonido que tiene. Aún así, la obligada (clic).

Más adelante hay otra grabación para mi gusto muy buena que es la de Levine en el 88 con Thomas Allen, Mirella Freni y Neil Shicoff, en la que todos están estupendos (clic). A esta grabación se le ha acusado desde siempre de haber italianizado demasiado la ópera, en particular por la Tatiana "demasiado mujer" de la Freni. Sí, es muy pasional y es radicalmente contraria a la de Vishnevskaya, pero bueno, es una opción.

Mi favorita (y caigan sobre mí todas las maldiciones del mundo) es la grabación de 1991 para Sony de Emil Tchakarov con Anna Tomowa-Sintow, Yuri Mazurok, Nicolai Gedda y Nicola Ghiuselev. Primero, el sonido es esplendoroso y Tchakarov hace sonar a orquesta y coros a las mil maravillas. Mazurok hace su tercer Onegin en disco y se nota, el personaje está muy trabajado y la voz, aunque madura, se mantiene. Gedda está muy mayor para Lenski pero pone su saber hacer. Y Anna Tomowa-Sintow recrea una Tatiana juvenil, apasionada sin pasarse, perfecta en el primer acto, con una voz bellísima (no muy grande, pero es una grabación). Ella es la que me hace decantarme por esta grabación. Ahora mismo está a precio de ganga en la reedición que Sony sacó el año pasado (clic).

Hay muchas, muchísimas más grabaciones de esta ópera. La discografía de Onegin es extensísima. No sé, dime cuál es la que te gusta a ti.

El Onegin en inglés de la Kiri y el Hampson

2010-09-20T11:21:00.008+02:00

El Onegin inaugural se me quedó dando vueltas en la cabeza.
Qué rabia.
Con lo que me gusta a mí esta ópera y lo sosaina que quedó.

Al llegar a casa repasé mi lista de Onegines en disco.

Y, cómo no, reparé en una rareza que tengo: la versión en inglés grabada en 1994 por Charles Mackerras con Thomas Hampson y Kiri Te Kanawa.

Es un disco raro.

Cantan en inglés, y se hace extraño. A mí no me molesta que se traduzcan las óperas. Creo que no hay nada inamovible y que mientras se haga con coherencia y calidad no hay mayor problema. Pero claro, acostumbrado uno al oído al churriesti chiestli del ruso, de repente escucharlo en inglés choca mucho. Creo que no me pasaría nada si la tradujeran al alemán, polaco o cualquier otro idioma que yo no entienda, que el shock se produce al captar frases y palabras sueltas.

Además, los cantantes parece que están como muy pendientes de la pronunciación, y se recrean en los sonidos sh y t. Es como una clase del Follow me pero cantada. Hampson está muy bien de Onegin, autoritario y cínico, y la verdad es que da gusto oírlo. Kiri es otra cosa. Mira que le tengo yo cariño a esta mujer, tan correcta siempre, pero es que como Tatiana... ay. No llega a levantar el vuelo. Hace cosas preciosas en los momentos más delicados, pero no consigue el lirismo ni la pasión necesarias, y su voz en el 94 estaba ya algo desgastadilla para el papel. Aprobada, vale, pero entiendo las críticas -algunas muy desagradables- que recibió en la época de la publicación del disco.

La escena de la carta:

Y el dúo final:

El resto ni fu ni fa. El Lenski y el Gremin no están a la altura y las mujeres tampoco destacan especialmente.

También está Nicolai Gedda como Monsieur Triquet. Pero como es una parte de la ópera que no soporto, siempre lo paso.

Mackerras y la orquesta de la Ópera Nacional Galesa están... irregulares. Brillan en los momentos más dramáticos pero en las partes más reposadas o intimistas están muy relajados. Las escenas costumbristas del primer acto aburren, y no se consigue crear atmósfera en la escena del duelo. Menos mal que en todo el último acto Mackerras saca genio y lo borda.

Esta es una no-recomendación.
Es decir, jamás le recomendaría a nadie que comprara este disco. Ahora, como curiosidad y como ese "mira qué raro soy y qué cosas más estrafalarias tengo" que nos encanta tanto a los operísticos, no tiene precio.

¡ Pues empezamos bien la temporada !

2010-09-09T10:31:00.005+02:00

Empieza la temporada con una de mis óperas favoritas, el Onegin de Tchaikovski. Bien. Perfecto porque la anterior terminó con otra de ellas, Die tote Stadt. (El Boccanegra no lo cuento porque no fui, que por mucho Verdi, Domingo y Gheorghiu es una ópera que no soporto, me aburre y aplatana cosa mala).

Así que iba yo anoche tan contento y pizpireto al Teatro Real dispuesto a disfrutar de una producción traída al completo desde el Bolshoi de Moscú y que tenía muy buena pinta.

Pues no: Ay madre qué aburrimiento y qué poca calidad.

Sinceramente, creo que los rusos están haciendo bolos por el extranjero y lo que han traído aquí ha sido un elenco de serie Z bastante chungo. Yo no sé si el primer reparto (el que tiene a Mariusz Kwiecien y Tatiana Monogarova) estará más decente, pero lo que es el segundo es de baratillo total. A excepción de la Tatiana de Ekaterina Scherbachenko, el resto era para echarse a temblar: un Onegin gruñón, un Lenski caprino (que sí, que era muy mono, pero nada más) y el resto totalmente inane.

Y la orquesta. Por favor qué manera de pasar como una división de tanques rusos sobre la partitura. Y encima desajustada. Toda la fuerza melódica de la ópera desapareció por completo. Los tiempos, lentísimos, se cargaron la escena de la carta y las arias de Lenski y Gremin. Sólo pareció estar a gusto en las escenas de baile, en las que, por cierto, no había cuerpo de baile :-)

La producción tiene muchos aciertos pero un fallo fundamental: está escondida en lo más profundo del escenario, a varios metros de la boca del teatro, y encima casi todo sucede al fondo, con lo que no hay ninguna proximidad al espectador.

El decorado es el mismo en todos los actos: un salón con una mesa elíptica gigante omnipresente durante toda la ópera. Los dos primeros actos, unidos, son una fiesta constante en casa de Larina en la que anfitriona e invitados se ríen, se ríen y no paran de reirse. Irritante. En el tercer acto el decorado es el mismo, pero todo tapizado de rojo. Un cruce entre salón de banquetes de boda Lord Winston y la cena del capitán Stubbing en Vacaciones en el mar. La iluminación, en todo momento, fantástica: auténtica creadora de atmósferas.

Los únicos personajes definidos son Tatiana y Lenski. Son dos freakies, cada uno en su extremo, que se comprenden. Lenski es el payaso animador de eventos a quien nadie toma en serio. Incluso le adjudican los insoportables cuplés de Monsieur Triquet (destrozados por la voz del tenor y la lentitud de la orquesta). Y Tatiana no es la soñadora atormentada que habitualmente nos pintan, sino que parece estar al borde del retraso mental -al principio- y el desequilibrio mental -al final-. Divinísimo, eso sí, el peinado a lo Tippi Hedren (la abuela de Estela del Carmen, para los que no se ubiquen) que le colocan en el último acto.

Los puntos que me gustaron de la producción: el final de la escena de la carta, el duelo/no duelo, la manera de incluir los cánticos populares y los cuplés de Triquet del primer acto (que normalmente son un pegote) y todo el acto final.

Sinceramente, recomiendo la visión en DVD de esta producción para apreciar los aspectos positivos, porque creo que teatralmente es interesante; pero en directo, y en el Real, no, a no ser, como ya he dicho, que el primer reparto pueda levantar la función.

Eugenio Oneguin (Евгений Онегин, Yevgeni Onegin)
Tchaikovksi
Teatro Real de Madrid, 8 de septiembre de 2010
Vladislav Sulimsky, Ekaterina Scherbachenko, Andrew Goodwin, Oksana Volkova, Alexander Naumenko.
Dmitri Jurowski / Dmitri Tcherniakov

La ciudad muerta

2010-06-21T14:00:00.006+02:00

Una de las mayores satisfacciones que me da el mundillo de la ópera es poder hacérselo descubrir a otras personas. No lo hago por proselitismo, no pretendo que nadie se vuelva aficionado, sino por mostrar un arte que sigue soportando la carga de clasista y rancio. Por supuesto no para los que leen este blog, hay cientos de argumentos para rebatirlo, pero haz la prueba preguntando a amigos o compañeros de trabajo: en el 90% de los casos la ópera les es totalmente ajena. Les suenan el Nessun dorma o el brindis de La Traviata, pero no tienen ni idea ni de qué va el argumento, ni de quién es, o de qué época. De vez en cuando salta la chispa y reconocen algún fragmento... porque ha salido en un anuncio o una película. Es normal. Y si hablamos de personas de menos de 30 años ya olvídate: la ópera no entra en absoluto dentro de sus referencias musicales.

Por supuesto que muchos años de operamaníaco me han hecho saber discriminar a quién llevo a ver qué y dónde. No es lo mismo ver una representación del Barbero de Sevilla que una Walkiria ni el Centro Cultural de la Villa que el Liceo de Barcelona. Ni tiene nada que ver llevar a un ligue o a tu cuñada, claro. Aún recuerdo con pavor el día que llevé a mi tx a ver "Boulevard Solitude" al Liceu. Yo ya sabía de antemano que no le iba a gustar nada de nada.

Esta semana he tenido dos experiencias de estas iniciáticas: llevé a mi sobrina de 16 años a ver una Carmen de baratillo en un teatro de la Gran Vía y a un par de amigas al Teatro Real. De la Carmen ya comentaré porque la cosa tuvo sus peculiaridades. Las dos experiencias salieron muy satisfactorias.

Y en el Real fue LA CIUDAD MUERTA, Die tote Stadt, de Erich Wolfgang Korngold.

Imagino que ya habré comentado por aquí que es una de mis óperas fetiche. La culpa la tuvo un conjunto de cuerda llamado "I Salonisti" que es así como bastante hortera. A principios de los 90 estaba yo descubriendo la ópera cuando me acerqué al estante de discos de clásica del Alcampo de La Vaguada. Vamos, menos nivel no se me puede pedir. Acababa de agenciarme un reproductor de compact discs y dados los precios de la época, sólo compraba música clásica en digital, el pop lo dejaba para los vinilos (que hace 20 años un cd de novedad salía por 3000 pesetas -de las antiguas y de las de ahora-, casi 20 euros, y luego se quejan las discográficas). Los precios de la música clásica eran aún más escandalosos, y de la ópera ya no te cuento. Así que yo me dedicaba a hurgar entre los cajones de rebajas.

Y allí encontré por dos duros el disco INTERMEZZO de I Salonisti (clic): eran versiones instrumentales para quinteto de cuerda (cuarteto + piano, creo recordar) de piezas operísticas: una fantasía de Turandot, el Voi che sapete de Las Bodas de Fígaro, un popurrí de opereta, otro de La Favorita, el intermedio de Cavalleria... Todo muy "de salón", muy ligero, pero muy agradable.

Y entre los títulos, estaba la "Tanzlied des Pierrot" de Die tote Stadt de Korngold.
¿Eiiinnns? ¿Qué era eso? Es que ni me sonaba el autor, ni la ópera, ni na de na.
Pero el ritmo de vals decadente de esta canción del Pierrot me encantó. Y empecé a investigar sobre esta ópera. Leí la biografía de Korngold, cómo compuso esta ópera con apenas 20 años, su escapada de la Almenia nazi a Estados Unidos, su carrera en Hollywood... y me entró curiosidad.

En una visita a la maravillosa planta sótano de la tienda Madrid Rock (ahora el Bershka de Gran Vía, para los aficionados a comprar ropa de talla XXS) encontré una grabación de la ópera entera y la compré. Estaba yo como más contento que unas castañuelas. Y poco me duró la alegría: nada más empezar, toda esa instrumentación tan complicada, esas voces que iban por un lado mientras la música iba por otro, ese batiburrillo me decepcionó no aguanté ni diez minutos. Eso no se parecía en nada a la canción del Pierrot que yo había escuchado. Era una música muy difícil para un primerizo como yo.

El siguiente intento fue intentar seguir el libreto y comprender bien el argumento, del que sólo tenía una sinopsis en inglés. Creo que fue peor. Me volví loco porque no me enteraba de nada, que si lo del sueño, que si una procesión, que si el amigo, que a cuento de qué aparece la troupe. Vamos, desesperadico estaba. Sin embargo, avancé musicalmente hasta el dúo del primer acto, el famoso Lied de Marietta.

Y ahí fue donde la música de Korngold me volvió a envolver: qué maravilla.

Las siguientes escuchas (espaciadas mucho en el tiempo, no te vayas a creer, que uno tampoco es tan obsesivo) fueron metiéndome más en el argumento y en la música, y finalmente Die tote Stadt acabó convirtiéndose en una de mis óperas más queridas. Veinte años después me sigo emocionando con las partes más líricas y entusiasmando cuando la orquesta explota y se desata.

Y allí que me fui ayer domingo con mi señor tx y un par de amigas. Otra de las ventajas de haber llevado un blog (y medio llevado éste) es que he conocido a personas muy interesantes, con las que no hace falta estar en contacto continuo, aunque nos veamos un par de veces al año sabemos que existimos y tenemos ciertas inquietudes en común, ya sean culturales con unos o salir de copas con otros. El título me pareció perfecto para las geniales Ros y Punto y La Mujer Tirita como primerizas conejitas ~~Playboy~~ de indias; y además la producción, ya vista en Barcelona, creo que es fantástica.

Empezamos con un poquito de mal pie, nunca mejor dicho, porque llevábamos al tx en sillita de ruedas por un percance que tuvo hace un mes que le obliga a tener la pierna en alto. Un numerito, vamos. Afortunadamente teníamos palco con lo que teníamos espacio para maniobrar. Pero lo hicimos mal, porque pensando en la comodidad de Mr. Tx, lo pusimos a él delante conmigo y dejamos a las chicas detrás. Meeeec. Error. En los palcos de la tercera planta no se ve nada en la segunda fila. Y nada es nada. Y tx, aún delante, recostado en la silla de ruedas veía menos aún. Vamos, que el único que veía bien era yo. Qué desastre.

Y encima la primera parte era de hora y media porque juntaban los dos primeros actos. Y es una ópera en la que no hay números cerrados, con lo que no hay aplausos y no se puede uno movilizar. Situaciones desesperadas necesitan medidas desesperadas, Mrs Lovett, que diría Sweeney Todd. Esperé hasta el lied de Marietta. Hice un amago de aplauso a ver si el público me seguía pero nada, no hubo nada que hacer, me quedé en solitario con algún otro caso aislado de más abajo. ¡Rayos! Pues se acabó. Nos movimos todos. Intentamos causar el mínimo ruido (y creo que fuimos bastante discretos) y en un minuto nos habíamos cambiado los cuatro de sitio, moviendo cuatro sillas y una de ruedas. ¡Éxito! Las chicas se pudieron incorporar para ver bien (porque en los palcos de arriba, si te apoyas, ya lo ves todo) y nosotros medio medio, pero otra cosa no se podía hacer. Y además perfecto, porque justo se pusieron delante cuando empiezan los cambios de decorados a partir de la escena del sueño.

Cuando acabó el primer acto estaban encantadas. Visita a todo correr por el teatro, porque sólo había un entreacto y hubo que hacer todo el deambulatorio del segundo piso, salir a la terraza y subir a la cafetería de arriba en 20 minutos empujando la sillita. Saludos varios (Hola Alf, Hola Joaquim & Co, qué rabia sólo hablar 30 segundos) y de vuelta al palco.

La tarde resultó un éxito. ¡Y ya me han pedido que les recomiende qué ver la temporada que viene!

Sobre la representación ya hablaré, que el miércoles voy ya a mi turno de abono en mi butaquita de arriba en Paraíso.

La coronación de Popea

2010-05-26T10:30:00.006+02:00

En serio, jamás creí que un Monteverdi me llegara a impresionar hasta los niveles de la función del sábado pasado en el Teatro Real.

Pero es que cuando la altura de los intérpretes es tan sobresaliente uno llega a abandonarse a la música y las tres horas y media de representación se pasan volando.

Tendría muchas cosas que contar asuntos personales me tienen sin tiempo ni ganas de escribir, así que sólo puedo soltar una cosa

VAYA PAR DE CONTRATENORES. Jaroussky y Cencic, sensacionales.

Claudio Monteverdi
L'incoronazione di Poppea
Danielle de Niese, Philippe Jaorussky, Max Emanuel Cencic, Anna Bonitatibus, Antonio Abete
Les Arts Florissants, William Christie, Pier Luigi Pizzi.
Madrid, Teatro Real, sábado 22 de mayo de 2010

Simionato

2010-05-05T23:18:00.001+02:00

Ha muerto la Simionato.

Amneris, Azuzena... Santuzza

Sopor de Puritanos

2010-04-30T08:59:00.009+02:00

Una mala noche la tiene cualquiera.
Lo de I Puritani anoche en Madrid fue de dormirse.

Vale que parto de la base de que es una ópera que a mí ni fu ni fa. Tiene tres momentos fantásticos pero el resto me suena todo igual. Del argumento ni hablamos porque es tan inane y tan dramáticamente ineficaz que da igual lo que pase. A Los Puritanos se va a escuchar y disfrutar belcanto.

Pero no. Juan Diego Flórez no tuvo su noche. El estilo, el fraseo, la interpretación, la intención estaban allí, pero la voz no. Eglise Gutiérrez tiene un timbre de esos velados y mates que sólo brillan en el forte, aparte de que agilidades, las justitas. Yo considero que los agudos no son lo más importante de esta ópera, pero están ahí. Y todos los de la pareja protagonista fueron escasos y apurados.

Mucho mejor los secundarios, en especial Nicola Uliveri como Giorgio.

La orquesta, lenta y un-da-da, muy como siguiendo a los cantantes, para luego meter de golpe un volumen que los tapaba completamente. El coro, siempre en forte.

Da rabia decirlo, pero me aburrí muchísimo. Espero que los que vayan el domingo tengan mejor suerte. Ah, ni caso a las indicaciones de tiempo del programa. Son tres horas, salimos pasadas las once.

I Puritani, de Bellini
Teatro Real de Madrid
Jueves, 29 de abril de 2010
Juan Diego Flórez, Eglise Gutiérrez, Fabio Maria Capitanucci, Nicola Uliveri, Roberto Tagliavini, Gabriella Collecchia, Mikeldi Atxalandabaso. Miquel Ortega

Salomé. Nivelazo

2010-04-21T12:36:00.011+02:00

Nivelazo total en la Salomé del Teatro Real de Madrid.

Primero, y la más importante, una Nina Stemme fantástica. Con una voz poderosísima, bella, timbrada, demasiado opulenta arriba quizás pero a la vez con capacidad para bajar sin ninguna dificultad y oyéndosela perfectamente. Además, con una dicción perfectamente inteligible (para los que sepan alemán, claro). Una barbaridad de señora, un gustazo.

Luego están la pareja de padres, excelentes Doris Soffel (qué partido le saca al papel de Herodías la condenada) y Gerhard Siegel, un Herodes estremecedor.

Y la orquesta ha estado a gusto, matizando, sugiriendo y, finalmente, impactando.

La puesta en escena es de las ideales para que los más tradicionalistas se lleven las manos a la cabeza y a los más progrescénicos les den palpitaciones orgásmicas: está ambientada en la cámara acorazada de un casino de Las Vegas.

Carsen quiere reflejar un ambiente en el que se han perdido los valores y la traslación espaciotemporal es válida. Lo que ya no se sabe mucho es que pinta el Jochanaan por ahí (y ya que viene del desierto, podría haber sido el de Nevada, y no el típico africano).

En la danza de los siete velos Salomé se disfraza de su madre y hace una parodia de cómo se comporta con los hombres. Y en vez de desprenderse de los siete velos, siete hombres se desnudan ante ella.

¿Escandalosa la producción? ¿Porque salgan cuatro tetas y unos desnudos masculinos? No. Si escandaliza es porque estos desnudos no son de los cachas de turno, sino de siete hombres entre los que había jóvenes, viejos, gordos, delgados... es decir, gente real, no modelos. Y, oh, se les veía la polla. Pues mucho más natural, que lo que me parece ridículo es el típico figurante musculoso que va desnudo pero al final le ponen un pudoroso tanga.

La verdad es que yo al final pasé bastante de la puesta en escena y me centré en la música y la Stemme. Y disfruté mucho.

No me gustaron: el Jochanaan, con momentos en los que no se le oía nada (y sin estar la orquesta especialmente fanfarriosa) y el Narraboth.

Y curiosidad. Si pones en Google "Salomé Teatro Real"... ¿qué es lo que te saleeeeee?

Desde que llegaste a no vivo llorando (silencio - heh)

Salomé de Richard Strauss
Teatro Real de Madrid
Martes, 20 de abril de 2010
Nina Stemme, Doris Soffel, Gerhard Siegel, Wolfgang Koch.
Jesús López Cobos / Robert Carsen

Andrea Chénier en Madrid

2010-02-22T09:40:00.035+01:00

Ayer llevé a mi cuñada (la hermana de tx) a la ópera. Era la primera vez que iba y tenía curiosidad. Yo tenía un poco de reparo por si Andrea Chénier le resultaba un poco rollo para alguien que no ha escuchado ópera nunca, pero la experiencia salió la mar de bien.

Y es que la representación de anoche se puede considerar como lo que se espera uno cuando va a la ópera, de lo más tradicional. Primero, la escenografía era realista, rica y apabullante, y después los cantantes echaron el resto, creciéndose a medida que avanzaba la ópera, para terminar en un final espectacular.

Tengo la negra con la Dessì. La única vez que la he oído en directo fue a principios de los noventa en una Desdémona junto a Plácido Domingo. Desde entonces siempre o me ha tocado un reparto alternativo o la señora ha cancelado. Como este año el Chénier no me entraba en abono, cogí con un amigo el abono popular a precio reducido, con la la pareja Dessì-Armiliato al frente del reparto. ¡Pues tampoco esta vez! Debido a nosequé compromisos en Japón, la parejita sólo canta dos funciones, y en la mía me tocan Jorge de León y Anna Shafajinskaia.

Jorge de León (de quien ya conocíamos el vídeo de La Bruja) ha sido el descubrimiento del año. Una voz potentísima, amplia, timbrada arriba y con agudos que eran auténticos pepinazos. Un exceso de señor. Qué bárbaro. Cierto es que tiene que pulir la zona central, aprender a apianar y cuidar la afinación, pero para el papel de Chénier, estupendo. Qué gustazo. Hay tenores reservones que empiezan flojitos para luego poder con los actos tercero y cuarto. Los hay que empiezan bien la obra pero al final se acaban ahogando. Jorge de León empezó fuerte y terminó más fuerte aún. Tremendo.

Es joven. Si cuida voz y repertorio, se sigue perfeccionando y no se excede con compromisos que lo quemen, tenemos tenor lírico spinto para el futuro. Fue el triunfador de la noche, igual que el día que sustituyó a Marcelo Álvarez.

Anna Shafajinskaia cumplió de sobra con el papel de Maddalena. Si hay algo notable de esta mujer es que tiene un chorro de voz. ¿Sutileza? ¿Fraseo? ¿Estilo? Pues mira, no, pero en cuanto subía la voz aquello era un torrente. Y además se creció al lado del tenor, ofreciéndonos unos dúos la mar de sabrosos. Más que suficiente para ser un reparto alternativo y ya quisieran muchas tener su intensidad.

El Gérard de Marco Di Felice fue muy correcto y quedó oscurecido por la pareja protagonista. Hay quien ha echado en falta mayor agresividad, pero es que Gérard no es un papel malvado o agresivo. No es un Scarpia. Tiene sus cosillas, sí, pero es un personaje atormentado y lleno de dudas. Por lo que he oído del Gérard del primer reparto, salimos ganando.

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Pues eso, que ninguno de los tres eran perfectos, pero juntos consiguieron un nivel de intensidad y comunicación que pocas veces se consigue en esta ópera (que mira que puede resultar pesada si te la canta alguien desmotivado), consiguiendo que fuera una función de esas que impactan.

Mi cuñada me preguntaba: ¿pero de verdad que no usan micrófonos?

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Del resto del reparto, destacar a Larisa Diadkova, muy entregada como Madelon, a Stefania Toczyska (¿por qué no salió a saludar?), una condesa con muchísima presencia y al Increíble de Carlo Bosi.

La puesta en escena es un poco irregular: había cuadros abarrotados de elementos y otros con unos decorados la mar de esquemáticos. Bien, realista. Muy recargado el primer acto, muy normalito el segundo y espectacular el teatro quemado del tercer acto. La reja del final, sencilla y apañada, aunque el momento Piratas del Caribe 4 de hacer trepar a los cantantes al final del dúo quedó un poco fuera de sitio.

Espectacular la iluminación del primer acto. En el resto, sin embargo, no conseguimos distinguir ni una cara de lo oscuro que estaba todo. Ni siquiera en las pantallas de vídeo.

Salimos del teatro con un subidón tremendo. Hasta mi cuñada resoplaba apabullada. Y además, a las nueve y media de la noche, que eso de que los domingos las funciones empiecen a las seis tiene su punto.

Los ejemplos sonoros no son de muy buena calidad, pero es lo que he podido encontrar.

Y ahora unos vídeos del propio Teatro Real sobre decorados, vestuarios y ensayos. Interesante, yo creo.

Umberto Giordano:
Andrea Chénier
Teatro Real de Madrid.
Domingo, 21 de febrero de 2010
Jorge de León, Anna Shafajinskaia, Carlo di Felice, Marina Rodríguez-Cusí, Larisa Diadkova, Stefania Toczyska, Carlo Bosi, Ángel Rodríguez, Felipe Bou, Marco Moncloa
Víctor Pablo Pérez / Giancarlo del Monaco

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Teatro Real

Francisquita deconstruida

2010-02-15T09:39:00.012+01:00

Imagínate que cogemos todos los elementos de una zarzuela y los llevamos a El Bulli, donde nos la desestructuran, le sacan la esencia y nos los presentan para comérnoslos de una manera que no habíamos visto antes. Básicamente eso es lo que han hecho con la Doña Francisquita que se está representando en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Es una Francisquita deconstruida que se dice ahora.

Si ya hace una docena de años Emilio Sagi le sacudió la caspa y el polvo eliminádole todo el folklorismo y la chabacanería en una producción ultraortodoxa y superclásica, ahora Luis Olmos va un paso más allá: los decorados son esquemáticos, los figurines atemporales, se elimina el texto hablado en verso (un descanso para los oídos e imagino que para los cantantes) y se aligeran las partes habladas y, sobre todo, se mueve al conjunto de cantantes de una manera natural y no en bloques.

Es lo que imagino que ha disgustado a los más tradicionales: cuando suena la rondalla no sale una tuna entera, no vemos toreros ni majas goyescas reconocibles, ni tirabuzones debajo de cursis sombreritos a juego con vestidos de enaguas y miriñaques. No hay casas, puertas, ventanas, balcones o iglesias. En el fandango no sale el ballet español de María Rosa castañuela en mano taconeando en cada compás. Hay pocos olés y palmas. Y los finales de acto no parecen sacados de la Antología de la Zarzuela de Tamayo.

Pero no por eso se le quita el casticismo y el madrileñismo a esta zarzuela. Primero por el texto, después por la música y finalmente por los movimientos y coreografías. Simplemente es que no está tan expuesto y evidente como siempre habíamos visto.

Insisto en el movimiento escénico natural y nada forzado. Es la vez que mejor resuelto he visto el jaque entre Don Matías y Lorenzo o el coro de enamorados, que habitualemente es de una cursilería estática bastante insoportable.

El decorado es una estructura móvil a base de bisagras que se va abriendo y cerrando a la vista del público para formar los decorados de los distintos cuadros. Moderna, pero no rompedora ni transgresora. El resto de elementos escénicos, muy sencillos: árboles, bancos, escaleras. Muy bien, a excepción de la carroza del final del primer acto, que de simplona que es parece un mini-patíbulo. No sé cómo funcionará en el Liceo, que es un teatro mucho más grande. Esperemos que se esmeren más con la iluminación, muy pobretona.

Fallo: anticlímax en el final de la primera parte, que no coincide con final de acto. Fernando termina su romanza, suenan los aplausos de rigor y cuando cesan cae el telón...¡con el teatro en silencio! Absurdo.

Los figurines me han parecido fantásticos. Sin perder la esencia castiza, son super modernos. Ahora, el pelucón que le han colocado a la Francisquita es excesivamente caricaturesco.

En definitiva, que escénicamente me parece una Francisquita logradísima, moderna y despojada de topicazos, pero que no ha perdido la esencia ni el brillo que tiene.

Musicalmente la cosa ya fue otro cantar. La orquesta estuvo... cómo decirlo... poco fina. Ni acentos, ni matices, ni gracia, que no le supo sacar Miguel Ortega el jugo a la partitura, vamos. El coro pues muy bien ellos, pero ellas ininteligibles del todo. Bailarines y figurantes, muy bien, así como los secundarios: lañador, sereno, buhonera...

Enrique Baquerizo, sin ningún problema para Don Matías, y además disfrutando del papel: gracioso sin cargar las tintas en lo cómico. A Amelia Font se le ven las tablas, y es que se tienen que notar años haciendo de soprano cómica siete días a la semana en las zarzuelas del Moreno. Fue la más "zarzueleramente tradicional" de todos, pero da gusto que la cojan para el papel de Doña Francisca. Estupenda. Aplausos más que merecidos. Cardona fue Julio Morales, muy bien, muy en su papel.

Y con el trío protagonista... pues pichís pichás. Nancy Fabiola Herrera es el típico animal escénico que sale y se lo come todo. Estuvo excelente interpretando a la Beltrana, con garbo, fuerza y la gracia que tiene que tener. Pero vocalmente no es papel para ella. En la primera parte no se la oyó, y se perdieron los matices que tiene el personaje en las notas graves. Mucho mejor, y más desatada aún escénicamente, en la segunda parte.

José Bros era la voz de más calidad de todas. Timbrado, potente y fraseando como él sabe. Pero lo noté muy tenso y poco cómodo. Muy tirante. Actoralmente se le puede achacar de estático pero es que el papel es muy soso, no es culpa suya.

Mariola Cantarero hace cosas bellísimas con la voz para luego al momento sonar rarísima y oscilante. Las diferencias en el timbre me provocan perplejidad. También el papel es muy poco agradecido: después de la canción del ruiseñor tiene un par de dúos poco lucidos mientras el protagonismo se lo llevan los demás. Por cierto, que no cantó las dos frases que tiene en el final del primer acto.

Cogí las entradas para el reparto principal porque suponía que iba a ser el más "estelar", pero ahora pienso que me hubiera gustado escuchar otros cantantes: Sonia de Munck es una soprano muy experimentada en el papel y a María José Moreno hace mucho que no la he visto. A Carlos Cosías no lo he escuchado nunca pero tengo muy buenas referencias suyas, y a Ismael Jordi ya lo conozco pero en papeles menos exigentes. Las otras Beltranas son Marina Pardo, que siempre ha puesto un punto de calidad a sus interpretaciones, y Milagros Martín, que imagino que tendrá los mismos problemas con los graves que la Herrera.

Otra cosa: Los Gremlins.
En las funciones de zarzuela es imposible que no aparezcan los Gremlins. Son personas de edad entre avanzada y MUY avanzada que mueven la cabeza al compás de la música, tararean y hasta cantan a la vez que los cantantes sin preocuparles el volumen. Por experiencia, sé que no es posible hacerlos callar o reprimir sus cánticos, así que hay que aguantar.

Pese a que Doña Francisquita es muy conocida... no es nada fácil de tararear porque el texto no es facilón. Y los pobrecitos gremlins que teníamos al lado intentaban cumplir su misión gremliniana, pero sólo pudieron cantar una frase del final del primer acto y otra del coro de enamorados. Uffff.

Que en fin, es una doñafrancis que está la mar de bien aunque entiendo perfectamente a quien no le pueda gustar, tanto sea por "moderna" como por "antigua".

Amadeo Vives
Doña Francisquita
Teatro de la Zarzuela, Madrid, febrero 2010
Mariola Cantarero, José Bros, Nancy Fabiola Herrera, Julio Morales, Amelia Font, Enrique Baquerizo, Arturo Pastor.
Miquel Ortega / Luis Olmos

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Anticipo de la 1ª Temporada Mortier en el Real

2010-02-12T10:02:00.003+01:00

Según se lee en un periódico, se anticipan algunos de los títulos de la programación de la Temporada 2010 2011 del Teatro Real de Madrid, la primera de la "era Mortier", a quien muchos ya han puesto en la picota antes de que el hombre haga nada en este teatro.

Veamos:

San Francisco de Asís de Messiaen, que se representará en La Caja Mágica (la cancha de tenis, vamos, con aforo para 4000 personas). Dirigirá Sylvain Cambreling.

La página en blanco, de Pilar Jurado (misterio misterio misterio).

El rey Roger, de Szymanowski, en la absurda producción de los Mickey Mouse, imagino.

El caballero de la rosa, de Strauss y Otra vuelta de tuerca, de Britten. Nada que no se haya visto ya en la última década en esta ciudad.

El ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny, con escenografía de la Fura. Es decir que no nos enteraremos de nada pero será muy espectacular.

Las bodas de Fígaro, las mismas del año pasado.

La finta giardiniera, con René Jacobs, en versión concierto.

Tosca, la producción de la Espert, sustituyendo el previsto Trittico. ¡Pues vaya!

Werther, con José Bros.

Ifigenia en Tauride, de Gluck.

Eugenio Onegin, de Tchaikovski. ¡¡¡biennnn!!!

Bueno, a ver qué se concreta. Tampoco es tan tan tan rompedora, ¿no?

Ah, en la completa, interesante y siempre actualizada web del Teatro Real nos encontramos con el cartel de "actualmente no hay ninguna noticia" en la sección "Noticias" (valga la rebuznancia) así que... a esperar.

La viuda alegre, versión olé

2010-02-04T18:17:00.001+01:00

Se lo decía yo al bloguero Eleuterio cuando tenía que preparar La Viuda Alegre de Lehár: es una opereta llena de hallazgos musicales y melodías inspiradas, y que iba a disfrutar como un loco interpretándola. El argumento es una tontuna y el humor es totalmente arcaico, sí, peeeeero qué te vas a esperar de una opereta. Peores argumentos hemos visto en óperas más serias, ¿no?

La Viuda Alegre es un ejemplo modélico de opereta ligera y francamente su escucha se me hace muy agradable. Se deja uno llevar por esos valses de una manera muy fácil. Olvídate de pasiones, tensiones y dramones. Aquí vas a escuchar la clásica estructura de la opereta (y de muchas zarzuelas): números populares, bailecito regional, una trama romántica principal y otra trama cómica secundaria.

Es muy raro que se represente en España. Como ya tenemos la zarzuela como "opereta" nacional, casi nunca está en las temporadas. Para conocerla hay que recurrir a las grabaciones. A mí me hacen mucha gracia las ediciones alemanas con cantantes que sólo en su casa conocen y cuyo nivel artístico suele ser muy "de revista". Cuestan dos duros y solía haberlas a porrillo en los cajones de ofertas de las tiendas de discos. Hoy como ya casi no hay tiendas de discos, hay que irse a gasolineras y supermercados de países donde se habla alemán para comprarlas. Cuando alguien me localice una de Marika Rökk que me la pase, porfaplís.

De las "serias", yo me quedaría con las viudas de Schwarzkopf, Anneliese Rothenberger y Cheryl Studer, porque hacen sentir que tanto ellas como sus respectivos acompañantes realmente se lo están pasando en grande interpretándolas, con una vividez que pocas cantantes operísticas consiguen. ¡Y suenan bien! Hay también una de Felicity Lott, que tiene un tipo de voz ideal para el papel, pero ah, está en inglés.

¿En inglés? ¿Y en español?
Pues precisamente la versión en español es el origen de esta entrada, que quería yo enviársela a Eleu para que la escuchara pero con el cambio de casa metí todos los cedés de ópera en un armario sin orden y no la encontraba por ningún lado. Pero apareció.

Mira qué portada más horrenda:

Vamos a ver, ¡¡¡si la foto está hecha en el parque de El Retiro!!! Parece que es una pareja que se ha escapado de una boda en el Florida Park. Él, camarero, se ha ligado a una de las damas de honor que ha salido a fumar fuera para que no la vean sus papás. Bailan un poco y luego vuelven a la boda. No podían haber buscado un color más feo de vestido y que menos destacara con el tono marronuzco generalizado de la fotografía, qué espanto. Hablando de marrones, a saber quién de los dos pisaría la caca de perro de rigor. En fin.

La portada es la versión actualizada para la edición en cedé de 1991. La anterior para el LP de la casa Zafiro (1971) sería ésta:

Y la original, de la casa Montilla (1954) y tiene esta otra. Es curioso como son más modernas las portadas a medida que son más antiguas. Cosas del diseño.

El sonido: espantoso. Todas las grabaciones de zarzuela de Montilla/Zafiro sufrieron un paso a edición digital en CD que parecía que simplemente le habían puesto un micro al tocadiscos. Un horror. Esta grabación estuvo descatalogada durante lustros hasta que hace unos años BMG la volvió a publicar en una edición algo más cuidada, no sé si habrán mejorado algo el sonido.

Los intérpretes: Menos mal que tenemos a Dolores Pérez, conocida en la época como Lily Berchman, que tenía una voz imponente, en el papel principal. A su lado, Luis Sagi Vela, que no era del gusto de todos por ese engolamiento y su timbre tan particular, mantiene un estilo y una elegancia que le van de perlas a papel.

El resto a mí me resultan insufribles. Especialmente la tal María Caballer. De ataque de oído.

La orquesta va tremendamente lenta en las partes más románticas, y en las más marchosas es bastante pachín pachín hasta que la jorobín. ¿El problema? Lo que ya he dicho antes, el sonido. Suena tan cochambroso que no se puede apreciar bien.

La adaptación del texto al español no chirría demasiado pero tiene sus cositas: para evitar la similitud con Pontevedra, el país pasa a llamarse Pontenegro. En el libreto aparece también la embajada de Marsovia, pero no me queda nada claro. Hanna pasa a ser Sonia (¿?), Valencienne es Valentina (bien) y Camille es...¡Fernando!

Sí, el disco es durito de escuchar, pero no obstante... tiene su punto. Es lo que los anglófonos llaman un "guilty pleasure". Le puse a mi tx el baile de las grisettes y lo primero que soltó escandalizado fue: "¡pero qué arcaico suena todo!"

Yo creo que merece la pena echarle una escucha, aunque sólo sea por curiosidad. Lo colgué en una página de descargas, pero como están últimamente bastante imposibles, he puesto un enlace alternativo. Es la versión spanish olé con libreto incluido. Si alguien ve sus derechos violentados, que me lo diga y la borro ipsoflauto.

Enlace 1 - Enlace 2

¿Y a ti?
¿Qué Viuda te gusta?
La mejor lana, la Turner.

Werther desde París

2010-01-26T21:31:00.006+01:00

Desde la Opera Bastille de Paris, y sólo por tiempo limitado, la versión online del Werther de Massenet con Jonas Kaufmann, Sophie Koch y Ludovic Tezier. Dirección de Michel Plasson.

Parece ser que iba a estar disponible en la web de Arte, pero no queda claro.
Enlace: clic

Avance de la Temporada del Liceo

2010-01-22T18:09:00.002+01:00

El Liceu de Barcelona avanza su temporada 2010-2011 con este sugestivo vídeo:

Ifigenia en Táuride, de Gluck
Carmen, de Bizet
Lulu, de Berg
Falstaff, de Verdi
Anna Bolena, de Donizetti
Cavalleria Rusticana/Pagliacci, de Mascagni/Leoncavallo
El cazador furtivo, de Webber
Ariane et Barbe-Bleu de Dukas (¿y éta cuála é?)
El retablo de maese Pedro, de Falla
Tamerlano, de Händel
Daphne, de Strauss

Información Agencia EFE
Web del Liceo

Un vídeo del Holandés Errante de Madrid

2010-01-19T10:38:00.001+01:00

No sé cómo lo habrán sacado, pero ahí va:

Un holandés casero

2010-01-15T13:43:00.006+01:00

Al Real le ha quedado un holandés errante como muy de andar por casa. La puesta en escena de Àlex Rigola le ha quitado todo misterio y romanticismo a la leyenda del holandés y lo ha dejado en un dramita cotidiano de chicas en bata y marineros que bailan a lo Coyote Dax. ¿Lo bueno? Que es posible abstraerse, dejarse llevar por la música de Wagner y seguir la ópera tranquilamente. ¿Lo malo? Que todo queda muy ramplón y que la historia de amor de Senta y el holandés es la de una chica bastante pirada y un chulo (con toques de drama queen, pero un chulo). Vamos, que si la chica se salva de la caída nos podríamos imaginar la segunda parte de la ópera, con la pobre Senta atada a la pata de la cama y maltratada pero, eso sí, enamoradísima perdida.

Ni que decir tiene que de transfiguración ya ni hablamos, claro. Vamos, que le expliquen a Rigola y a la loca de la Senta ésa lo que quiere decir.

No estoy diciendo que me parezca una mala puesta en escena. No. Es coherente dramáticamente y está bien estructurada. Es simplemente... superficial. Y, de hecho, es muy clásica en su concepción: los cantantes entran en escena, SE PARAN, cantan y se van. Que se lo digan a Senta y el holandés en su dúo de amor. Vamos, uno en cada lado del escenario, estáticos, paraícos ellos.

Detalles: un perrito correteando, una bici y un tío en bolas perseguido por unas botelloneras. Nada molesto porque ocurre al principio del tercer acto. Que no hay cosa que más me moleste que ver a los cantantes en primer plano y a los figurantes haciendo tontadas detrás.

En fin, como ya digo, yo me abstraje bastante de la puesta en escena (por cierto, fabulosa la máquina de CocaCola que le da un halo rojo al holandés cuando se pone delante) y me metí de lleno en la historia gracias a la música de Wagner. Las dos horas y media sin intermedios se me han pasado en un suspiro y sólo las he notado gracias a la comodidad de las butacas del teatro.

De la orquesta con Wagner uno siempre se espera grandes contrastes. Siendo López Cobos como es, no los ha habido, pero ha sabido mantener el pulso dramático y reflejar perfectamente el romanticismo de la partitura. Me ha gustado mucho.

El coro, a grito pelao. Muy rotundo, vamos.

La misma producción en el Liceo:

Sorprendente (para bien) la Senta de Elisabete Matos. Mira que esta soprano siempre me había resultado metálica y fría, de las que dan las notas y ya, pero caramba cómo está madurando la mujer. Potente y expresiva. Un poco tosca, sí, pero joder, es Wagner. Muy bien.

Halfvarson está ya un poco mayor y la voz le tiembla en ocasiones. Pero tiene mucha clase, frasea que da gusto, se impone, tiene volumen. E interpretativamente ha sido el único que ha reflejado su papel bien. Muy buen Daland.

El holandés de Egils Silinš bien cantado y fraseado pero con problemas de volumen, sobre todo al principio en el dúo con Daland. También es que al hombre lo han pueso a cantar en la parte alta del escenario, de perfil, los de arriba lo veíamos guillotinado y no nos llegaba bien la voz. Pero vamos, bien, y con presencia escénica.

Correcto el Erik, muy matizado, pero también con problemas de que la orquesta lo tapaba en ocasiones.

Ombuena, sin problemas para el timonel.

Para la Mary yo me pregunto si no habría en la cantera del Real alguna mezzo disponible.

Que me ha gustado a mí el estreno de este segundo reparto, oye.

El holandés errante (aka El Buque Fantasma). Der fliegende Holländer
Richard Wagner

Egils Silinš, Elisabete Matos, Eric Halfvarson, Endrik Wottrich, Nadine Weissmann, Vicente Ombuena. Jesús López Cobos, Àlex Rigola.
Teatro Real de Madrid, jueves 14 de enero de 2009

Enlace a la web del Real
Enlace a los comentarios en el foro de Una noche en la Ópera

Doña Francis en la Zarzuela

2010-01-13T09:26:00.002+01:00

Y, a partir de ayer, entradas a la venta para Doña Francisquita en el Teatro de la Zarzuela.
Días 12 y 14, únicos en los que cantan José Bros y Mariola Cantarero.

Clic

- Gracias caballero.
- Hija no hay de qué.
- Es una peonza.
- Se ha fijado usté.
- Qué bien he quedado.
- Me ha salido mal.
- Ahora Francisquita
que soy todo un hombre
verá.
- Yo que he pretendido
que él se decidiera.
No lo he conseguido
pero me han cogido
en la ratone-e-raaaaa.

Diana Damrau en el Teatro Real

2009-12-28T08:58:00.005+01:00

Comentarios con cinco días de retraso desde la fecha del recital de Diana Damrau en el Teatro Real de Madrid. Ah, se siente. Las navidades, la organización de la misa por la familia, los Santos Inocentes... esas cosas, ya sabes.

Recital triunfal de Diana Damrau en el Teatro Real de Madrid.
Ganas tenía yo de escuchar a esta mujer en recital, ya que lo único que le había escuchado en directo fue la Zerbinetta de la Ariadne de hace unos añitos en este teatro, y el segundo acto de esa ópera me aburre sobremanera, así que la cogí con ganas, sí.

Damrau está en un momento de cambio en su carrera. Sigue cantando los papeles de coloratura pero ya está abordando algunos más líricos. La voz es potente e incisiva pero los registros medios y graves se los va a tener que ir trabajando con el tiempo.

Yo creo que hemos tenido la suerte de pillarla en este momento porque nos ha ofrecido lo que ha venido haciendo hasta ahora y lo que hará en el futuro.

En la parte coloratura salvaje se marcó un aria de Mitridate con unas variaciones endiabladas (sí, alguna cosilla se le fue por ahí) que nos dejó encantados y con ganas de más. Pero después, en vez de su reina de la noche, que era lo que todos esperábamos, cantó el aria de Pamina de la Flauta. Bien. La primera parte terminó con el rollete del Exsultate Jubilate, donde estuvo algo más plana, pero es que en particular a mí la pieza me resulta un tanto muermo y desconecto bastante.

La segunda parte ya sí que fue la gran fiesta que todos esperábamos. Empezó con el Barbero de Sevilla en una visión exagerada y particular. A ver, ella respiró donde quiso, fraseó como le dio la gana e hizo los adornos que le salieron del lerele. Incluso se marcó una especie de sevillanas al final. Espectáculo, sí, pero cantada con poderío.

Y si vamos a hablar de poderío, la gavota de la Manon fue de escándalo: valiente y rotunda. Espectacular.

Terminó el programa con la escena de La Sonámbula cantada con mucho gusto y donde volvió a demostrar que puede ser delicada y expresiva para al momento soltarnos unas agilidades tremendas. Muy bien.

Los bises no fueron todo lo lucidos que deberían haber sido. El público quiere carne y show, y las piezas elegidas, por muy bien cantadas que estuvieron, no provocan el entusiasmo circense que se esperaba. Nos quedamos sin un gran fin de fiesta, pero hay que reconocerle la honestidad a Damrau: ya lo había dado todo en la excelente segunda parte y los bises son eso: bises, no una tercera parte del programa. Cantó Doña Ana, una sentida Petite Table y el trilladísimo babbino.

Ovación y... esperamos volver a escucharla pronto.

Ah, la parte menos positiva del concierto: ¿a quién se le ocurre empezarlo con la Pequeña Serenata Nocturna de Mozart y así retrasar 20 minutos la entrada de la soprano? López Cobos me suele gustar en Mozart, pero ni estábamos esperando un concierto orquestal ni tampoco fue nada del otro jueves. Estuvo más comedido con el volumen que en otras ocasiones (aunque también con algunos chimpún chimpún que Diana Damrau pudo superar). La Pavana de Ravel tuvo un cromatismo musical sui generis y en las otras piezas la verdad es que desconecté.

Para mí, excelente broche musical para finalizar el año.

Opiniones en WebLaÓpera

Opiniones en Unanocheenlaópera

Las impresiones de Mei
Las impresiones de Nina
Crónica en La Razón (no la he encontrado en otros periódicos)

Diana Damrau.
Teatro Real de Madrid.
Ciclo Grandes Voces.
Miércoles 23 de diciembre de 2009.
Jesús López Cobos.

La ópera de tres peniques, un bodriete

2009-12-16T23:24:00.002+01:00

A Marina Bollaín ya le tengo pillado el punto: Ella vive en sus mundos de Yupi y se piensa que toda obra musical es actualizable escénicamente de una manera pop y naïf haciendo cuatro monadas.

Le funcionó con su "Adiós Julián" porque era más cabaret que zarzuela, y a medias con "La Verbena de la Paloma" (no hay más que escuchar sus palabras en el documental que acompaña el dvd para ver lo perdida que está esta mujer), pero con La Ópera de Tres Peniques, de Brecht/Weill, traducida al español, la cosa le ha salido de lo más chunga.

Fundamentalmente porque la obra es una mezcla de teatro-cabaret que necesita un toque canallesco y sórdido que en el mundo happy de Marina no existe. Todo tiene un aire muy de musical de la Gran Vía o de zarzuela del Centro Cultural de la Villa.

Las referencias a situaciones actuales como el caso de los policías de Coslada, la alusión a Julián Muñoz, los "toques" a Gallardón y Esperanza Aguirre... sí, hacen gracia, pero son efímeras y puntuales, que habría que ir retocando con los años. No son lo suficientemente irónicas ni duras. Le falta garra.

Garra que también le falta a un grupo de actores cantantes en los que hay muchas desigualdades. La prosodia en las partes habladas no es que esté particularmente currada y da una sensación de zarzuela cutre que tira patrás.

Luego tenemos que la obra en sí es durita. Hay canciones que se hacen muy coñazo. Si la Bollaín quitó casi una hora de texto, según leo (menos mal, una hora más ahí dentro hubiera sido un suplicio), también podría haber eliminado alguna canción, porque francamente, la primera hora se hace muy dura de tragar.

Vocalmente, Enrique R. del Portal y Marco Moncloa se imponen y cumplen perfectamente como Mackie (Mac el Sheriff) y como una Jenny travesti (una pena que el personaje no esté más mimado escénicamente, sólo brilla en la canción de Salomón). El resto de actores/cantantes van de lo decente a lo insuficiente. Hay números que están pasables, pero otros daban pena. Al final de un horripilante trío de mendigos (Juan, Celia & Paula) hubo quien se levantó y se fue. La canción de Jenny la de los Piratas era de no creérsela de lo cutre. Y suma y sigue.

El público, de lo peor. Al lado nuestro había una pareja que apestaba a alcohol y que no pararon de comer y beber durante toda la obra. Detrás, una señora se empeñaba en tararear canciones que no conocía. Al final, bravos y aplausos.

En fin. Un bodriete de padre y muy señor suyo.

Lo mejor, haber conocido la sala Verde de los Teatros del Canal, una curiosa sala cúbica adaptable a los distintos espectáculos, con unas galerías a lo corral de comedias muy curiosas. Lo siguiente que ponen es Angelina o el honor de un brigadier, de Jardiel. Lo mismo me animo.

La Ópera de Tres Peniques (en español)
Kurt Weill, Bertolt Brecht
Enrique R. del Portal, Mar Maestu, Enrique Sequero, Eva Diago, Marco Moncloa
Marina Bollaín
Teatros del Canal, sala verde, Madrid, domingo 13 de diciembre de 2009

Jenůfa, brutal

2009-12-13T23:07:00.008+01:00

Lo siento, Jenufa, reina, pero por mucho que el título de la ópera te lo lleves tú, la que se lleva toda la expectación es la Kostelnicka. Ah, se siente, pero es que el papel es un bombón. Sin embargo, qué gusto da asistir a una Jenufa en la que el nivel artístico es tan alto y tan equilibrado que no se trata sólo de un paseo triunfal de la Sacristana.

Porque ojo con Amanda Roocroft. Tela. Voz ideal para el papel de Jenufa. Lírica, bella, timbrada pero también potente y con expresividad dramática. Estupenda. Consiguió emocionar.

Miroslav Dvorsky comenzó un poco tapado por la orquesta, pero luego se creció y ofreció un tercer acto muy bueno. El dúo final de Jenufa y Laca consiguió superar el anticlímax que supone que la ópera continué después de la escena de la confesión de Kostelnicka. Muy bien.

También estupendo Nicolai Shukoff como Steva, donde normalmente te ponen un cantante gritón que tiene que desgañitarse para superar la orquesta. Muy alto el nivel.

En su punto también la abuela de Mette Ejsing.

Y ya la sacristana, la Kostelnicka de Deborah Polaski. Qué mujer, qué poderío, qué expresividad y sobre todo qué capacidad de sacarle toda la chicha psicológica al papel, con unos pianos que ponían la carne de gallina. Normalmente para este rol se tira de una gran cantante de prestigio con la carrera ya en su recta final. Unas veces sale bien (muchos recordábamos a la impresionante Leonie Rysanek la última vez que se programó Jenufa en Madrid, que eclipsó a todo y a todos) y otras no tan bien (Eva Marton en Barcelona). Pero francamente es un gustazo escuchar a alguien que puede sacarle todo el jugo al papel. Además, como actriz, excelente.

En el reparto alternativo está Anja Silja, que me imagino dará un recital interpretativo pero vocalmente estará ya muy perjudicada.

La orquesta, a todo volumen y creando contrastes brutales entre el dramatismo y el lirismo. Sonó estupenda también.

Gran noche en Madrid, superéxito y recomendación a todos aquellos que se puedan sacar una entrada para los días que quedan del primer reparto (14, 17, 20 y 22). La palabra es BRUTAL.

Ah, que se me olvidaba la puesta en escena.
Al principio me dio mucho miedo eso de dos paredes y el suelo. Me temía lo peor, pero la verdad es que como el nivel musical fue tan alto, la obvié bastante. A partir del segundo acto el juego de contrastes de luces y colores tomó protagonismo y sirvió de marco perfecto para el drama. No se necesitaba más.

Jenůfa, de Leos Janacek.
Amanda Roocroft, Deborah Polaski, Miroslav Dvorsky, Nicolai Shukoff, Mette Ejsing
Ivor Bolton, Stéphane Braunschweig
Teatro Real de Madrid, viernes 11 de diciembre de 2009

La italiana... ay la italiana...

2009-11-17T09:42:00.006+01:00

L'italiana in Algeri
Gioachino Rossini

Vesselina Kasarova, Michele Pertusi, Maxim Mironov, Carlos Chausson, Davinia Rodríguez, Borja Quiza, Angélica Mansilla.

Jesús López Cobos, Joan Font

Teatro Real de Madrid,
Lunes, 16 de noviembre de 2009

La italiana en Argel del Real ha estado bien, pero pesadita, y ahí miro a sus directores musical y escénico como máximos responsables, por haber mozartianizado a Rossini el primero y por haber soltado un cúmulo de efectos visuales sin ton ni son el segundo.

La ópera entera ha estado falta de brillo, de chispa, de dinamismo. Y si el argumento de por sí es bastante básico (sí, vamos, tiene momentos graciosos, pero poco más), no por mucho llenar la escena de elementos vistosos naïf y gracietas varias se logra hacer cómica una ópera. Sí, se consigue la risa rápida y fácil, pero hace falta más.

A la orquesta, ligereza y cambios de ritmo. A la escena, continuidad en vez de tanto efecto aislado y más espontaneidad. Y a los cantantes, implicación y un pelín de desparrame y descontrol.

Vesselina Kasarova tiene una voz sobresaliente, bella de timbre y con proyección. Ahora, entubada como ella sola, con unos graves que le salen de los higadillos y una coloratura un poco a golpes. Su aria de entrada quedó como la de Renée Fleming del otro día: rara, rara, rara. Mejoró mucho en el segundo acto, donde dio buena muestra de su categoría y fama. Pero vamos, que al principio me asustó.

Pertusi me encantó como Mustafá. Primero, porque se apropió del personaje y lo hizo bufo sin llegar a caricaturizarlo, y luego, porque de voz muy bien.

El tenor es un ruso jovencito con voz muy de tenor rossiniano a la antigua, de timbre agudo y blandito, un poco tembloroso, sin problema en los adornos. Bien.

Chausson me suele poner de los nervios con sus exageraciones bufas, especialmente cuando hace donizettis, pero mira, ayer, entre tanta contención, agradecí sus excesos. Sigue teniendo voz más que de sobra para estos papeles y junto al Mustafá fue lo más logrado de la noche.

Con las Elviras yo no sé qué pasa que todas las que he oído son gritonas a más no poder. Desde luego, Davinia Rodríguez destacaba por encima de todos en los concertantes. Habrá que escucharla en otros roles menos histéricos. Qué mujer.

¿Sensación global? Pues una italiana agradable, estética y globalmente aburridita. De las de ver en vídeo e ir pasando directamente a los highlights. Para cubrir expediente rossiniano.

Página web del Teatro Real

El rey Roger

2009-11-16T10:32:00.007+01:00

Król Roger, de Karol Szymanowski
Teatro del Liceo
Barcelona, viernes 13 de noviembre de 2009.

Scott Hendricks, Anne Schwanewilms, Will Hartmann, Francisco Vas, Jadwiga Rappé, Daniel Borowski.

Josep Pons / David Pountney

Yo me intento engañar a mí mismo poniéndome la ópera como excusa para pasar el fin de semana en Barcelona pero este finde pasado la verdad es que no ha sido la excusa, ha sido el argumento, y bien que ha merecido la pena.

Król Roger es una ópera rara. No es que sea de esas imposibles de digerir, pero hay que estar pendiente, receptivo e intentar meterse dentro de la ópera para disfrutarla. Con todo lo pedante que es la palabra no hay otra que mejor defina la música del rey Roger: cromatismo.

Mil colores son los que hay en una partitura que juega con el orientalismo, que oscila entre lo tonal y lo atonal, que trae reminiscencias de Ravel, de Debussy, de Richard Strauss, y que tiene una instrumentación riquísima. Rara como ella sola, pero bella, bellísima música.

Hay una grabación de Simon Rattle para EMI de hace 10 años que es una maravilla. Sin llegar a esos niveles, la orquesta del Liceu de la mano de Josep Pons estuvo realmente bien, consiguió sacar mucho, consiguió envolverme en la ópera, y una vez metido dentro olvidarme de las absurdas ínfulas del libretto.

Porque vamos, uno sale con la sensación de "no sé qué narices me quieren transmitir, pero me da lo mismo". Es el enfrentamiento entre la razón y la tentación, el cristianismo y el paganismo, la templanza y el hedonismo... todo machacadito con mucha tensión sexual.

El decorado está formado sólo por unas escaleras a modo de teatro griego (se supone que la obra se basa en Las Bacantes de Eurípides) y un prodigioso juego de luces. Suficiente para crear todas las atmósferas necesarias. A mí me pareció muy bien, y la dirección escénica de cantantes, excelente.

El rey Roger de Scott Hendricks reflejó todas las incertidumbres del personaje, con un esfuerzo físico notable. Sí, Pountney hizo cantar a los cantantes de espaldas, tumbados, escondidos, moviéndose y saltando. Un despropósito para los pobres cantantes, pero yo, como soy espectador, disfruté un montón.

Scott Hendricks tiene una voz más que suficiente para el papel, lo cargó de expresividad y potencia. Estupendo. Y además, tiene su puntillo sexy-morboso así calvito y tal. Roksana fue la indeletreable Anne Schwanewilms. Deliciosa. Recuperada de alguna afección que le hizo cancelar funciones y no estar al 100% en el estreno. Altamente satisfactoria. El pastor de Will Hartmann estuvo más tirante y en los límites, pero bien. Francisco Vas estuvo más que cómodo con la tesitura del Edrisi y se pudo lucir. El arzobispo y la diaconesa sólo dicen unas frases, pero la voz de Jadwiga Rappé era un chorro potentísimo.

Salí con un muy buen sabor de boca y a la espera de que Mortier nos lo traiga a Madrid con, esperemos, otra producción.

El rey Roger en el Teatro Real de Madrid
Argumento de Król Roger
Hoja informativa
Página del Liceo

Renée, la diva del Met

2009-11-13T09:31:00.002+01:00

Y vino la diva del Met y me dio rabia de que le tocara promocionar su chungo disco de Verismo. Porque la Renée Fleming es una señora que canta bien, tiene una bella voz y es capaz de sacar momentos de gran diva, pero en el recital de anoche no se lució.

Me quedé con la misma impresión del concierto de hace unos años: correcta, correctísima, pero fría. No llega a traspasar la barrera de la comunicación con el público en un concierto como ése y en un teatro tan grande. En aquel concierto estuvo igual pero se marcó unas Rusalka y Marietta maravillosas. En éste lo mejor han sido los lieder de Strauss, con eso digo todo.

No es plan ponerse furibundos y empezar a soltar que esta señora es un bluff etc etc como ya están haciendo por ahí. No. Lo que pasa es que tampoco es para decir que fue una velada megamaravillosa con la supertop de las cantantes.

La Renée apareció con un vestido color cacafú de la semana del retal de Vivienne Westwood que parece que se le había roto en el avión y lo había sujetado con un nudo y unos corchetitos en plan emergencia. No es así, ya lo sacó en Londres hace unos días y era igual (o sea, un horror). El estilismo capilar es el de costumbre con flequillo que se le cae al ojo y la mujer tiene que estar dando cabezazos para retirárselo.

Huy, que me pierdo.

Empezó la Fleming con un Rossini superdivertido por lo raro que le salió. ¿Pretendía hacer lo que estaba haciendo o es que le salió lo que le salió? Una elección muy extraña para calentar voz, desde luego, porque los agudos no salieron proyectados y las coloraturas fueron de un chapucerismo patente. Nos dejó a todos descolocados.

Después siguió la eterna escena de Desdemona de Verdi. Le va bien a la voz, la interpretó muy bien y estuvo en su sitio. Es curioso cómo la voz de Renée Fleming gana mucho en directo frente al disco, donde tiene siete colores diferentes. Muy bella.

Segunda parte, los lieder de Strauss. Es lo suyo, le saca toda la expresividad y se luce. Muy bien.

Luego el recital de Verismo, todo de seguido. Bueno. Allí ya salieron los siete colores de voz y la guturalidad. La Siberia y los Leoncavallo estaban un poco de relleno. La Mimì de Puccini fue sosita. El final de Fedora, con voz de ultratumba, estuvo muy conseguido, probablemente lo más verista de la noche. Y muy bien en la Iris, porque es una pieza así como muy fanfarriosa para terminar el programa, aunque tuviera que luchar contra la orquesta.

Como bises, el babbino, lentísimo, para gustarse a ella misma y gustar al público. Luego la Conchita de Zandonai. Un horror de pieza, pero me imagino que la puso porque es una españolada. Además la orquesta -castañuela al frente- se emocionó y la tapó.

Lo mejor de todo el concierto, la propina final, el Morgen de Strauss. Una vez más, es lo suyo.

En fin, que sí, que bien, que va, que me quedo con sus dvd, aunque sean en diferido, porque en ópera completa en escena es donde realmente saca esos momentos de gran diva.

Renée Fleming
Teatro Real de Madrid, jueves 12 de noviembre de 2009

Agrippina A

2009-11-03T09:17:00.004+01:00

Agrippina, de Händel
Teatro Real de Madrid, lunes, 2 de noviembre de 2009
Ann Hallenberg, Klara Ek, Umberto Chiummo, Xavier Sábata, Roberta Invernizzi, Matteo Ferrara, Raffaele Costantini, Antonio Giovanni.
Il Complesso Barocco. Alan Curtis.

¿Aguantaste la Lulu y te vas de Agrippina?, me dijeron asombrados mis amigos.

Pues sí, qué quieres que te diga. Después de estar hora y tres cuartos escuchando un Händel que vale, que sí, que está bien, pero no me maravilla, y ante la perspectiva de otro tanto con la repetición de la primera parte, plus coger luego el metro, atravesarme toda la ciudad hasta donde he dejado el coche para luego irme al polígono y llegar a casa a la una, pues como que no. Que me fui en el intermedio.

Y por lo visto me perdí lo mejor, según me dicen.
Pues mala suerte, chico.

Lo único que me gustó mucho de la Agrippina fue la protagonista, Ann Hallenberg. Estupenda. Voz sobrada que demuestra que las buenas voces, plenas e impostadas, también pueden cantar muy bien el barroco (frente a otras vocecillas planas y opacas que adoran los puristas). Además, interpretativamente excelente, pese a ser una versión en concierto. En los recitativos me recordaba a cualquiera de las pícaras rossinianas.

Bueno, versión en concierto. Había cinco atriles y una silla: ¡Eso es más que toda la escenografía de la Lulu! Y se movían, entraban, salían e interactuaban.

Eso sí. Qué escenario más chungo. Vale que es versión concierto, pero por favor, señores del Teatro Real, un poco de decoro: el suelo era una tarima negra llena de rayones que parecía la sala de ensayo de un tablao. El fondo negro y la silla como la que te ponen en cualquier oficina de atención al cliente (siéntese usted ahí) recién comprada en Makro.

Y luego los focos que nos ponen al público, especialmente a los de gallinero (perdón, paraíso). ¿Hace falta que nos estén alumbrando con esa potencia desde las alturas en las óperas en concierto? Vamos, ideal para controlar quién da cabezadas o abre caramelitos a la primera.

Siguiendo con la parte musical, teníamos al Complesso Barocco dirigido por Alan Curtis. Como siempre que hay una orquesta de cámara de cierto renombre con instrumentos originales y tocando barroco, hay que decir que estuvieron geniales y maravillosos. Vale.

El resto del reparto, para mi gusto se movió entre lo correcto y el sufi por los pelos, todos ellos a años luz de la Hallenberg. Con decir que el que más me gustó fue el mensajero Lesbos, que es el que menos papel tiene. Bien la Poppea, aunque falta de brillo, y muy musical Xavi Sábata sustituyendo al previsto Iestyn Davies como Ottone (como siempre, la web sigue sin actualizarse). Los bajos y la Nerón... cómo era eso que cantaba Lola Flores... ay pena penita peeeeena, peeeena.

Vale. Por lo que he leído por ahí la segunda parte fue graciosa y emocionante. Si es que soy lo peor.

Llega la italiana

2009-10-29T13:55:00.004+01:00

A partir del domingo, en Madrid, La italiana en Argel (L'italiana in Algeri), de Rossini.

Como anticipo, una entrevista a Joan Font, el director de escena:

Stendhal definió esta ópera como “una locura organizada” y “la mejor ópera bufa”, ¿qué piensa usted?
Suscribo por completo la afirmación […]. Para mí, L’italiana es un divertimento cargado de irrealidad y fábula que, sin ser una historia de enredos al uso, muestra constantes idas y venidas, con transformaciones de los personajes. Toda la obra es una gran fiesta de los sentidos […]. Es una metáfora divertida que respira ironía, sensualidad y sexualidad.

Comediants se caracteriza por sus aproximaciones fantásticas a los temas que tocan. ¿También con L‘italiana?
Esta aproximación fantástica nos permite darle una dimensión universal e intemporal a las historias, porque se trata de llevar lo que se cuenta a un mundo onírico y con ello se abren las puertas de la imaginación y la fabulación […].

Esta obra plantea las relaciones entre hombre y mujer.
Efectivamente, aunque está llena de hombres, en realidad es una obra de mujeres, porque Isabella, Elvira y Zulma son […] mucho más inteligentes, astutas y emprendedoras. En cambio los personajes masculinos son mucho más débiles, por no decir bobos.

La playa, el mar, es otro protagonista de esta puesta en escena.
El mar es el gran protagonista, porque es el elemento que todo lo trae y lo lleva […]. Así, aunque haya interiores, siempre está presente el mar. […]La acción arranca al atardecer, en la playa, y llegamos a la noche con las hogueras, con toda la magia de las noches mediterráneas, que encierran soledad, amor, sexo y placer, en las que suelen pasar más cosas que durante el día.

Se ha comentado que la estructura de la obra guarda mucha relación con el teatro clásico de Plauto y también con el de Molière. ¿Coincide usted con esta opinión?
Por supuesto, aunque a mí me parece más cerca de Aristófanes que de Plauto, y muchísimo más de Molière […]. Si nos centramos sólo en el libreto, éste es de una gran calidad teatral y funciona. Tiene un gran calado, y unos diálogos hilarantes. Es una obra muy moderna. Toda la ópera respira modernidad.

¿Qué es lo que le ha resultado más difícil de esta puesta en escena?
Lo más difícil es el trabajo teatral con los cantantes y bailarines-actores, para que entiendan este juego del absurdo que raya en el esperpento, los gestos, las situaciones, las acciones, las miradas, los silencios cargados de intención… Los cantantes tienen que ser buenos actores […]. Es importante que experimenten el personaje en todas sus facetas […].

Y no me toca hasta el 16.

Renée Fleming Verismo

2009-10-19T09:33:00.006+02:00

Mira que quería comentar el nuevo de la Bartoli, el Sacrificium ése. Pero no puedo. Todavía no lo he conseguido escuchar de seguido sin que me dé un ataque de ansiedad. Así que toca otra novedad mediática de Decca: el recital de Verismo de Renée Fleming.

Es imposible no comentarlo sin caer en los topicazos de que está totalmente fuera de estilo y su voz no es la adecuada para ese repertorio y blablablá blablablá, porque ES VERDAD. El canto de Renée Fleming está en el extremo opuesto de lo que es el verismo.

No es sólo que su estilo preciosista, voz suntuosa y expresividad sofisticada tengan poco que ver con el naturalismo descarnado del verismo [entendiendo naturalismo como corriente artística, no como calidad de "natural"] sino que la emisión vocal está también fuera de onda. La Fleming no tiene problemas en el registro agudo, pero en cuanto baja un poco las vocales abiertas se le quedan atrás y le suenan guturales (y muy feas). Escucha el inicio del Sola perduta abbandonata para comprobarlo. A la voz le falta la redondez vocal, la "italianidad" que el repertorio requiere.

Como ya digo, cuanto más aguda, más bella es la voz y más agradable suena. Y se permite algún exceso interpretativo para dar mayor intensidad a las interpretaciones (chillidos, suspiritos, etc). En el fragmento del primer acto de La Rondine está exquisita, es lo que le pega, y me recuerda mucho en la forma de cantarla a la versión de Kiri. También el Tanto amore segreto de Liù es una preciosidad. Pero cuando aborda las grandes frases puccinianas de La Bohème, Manon Lescaut o Suor Angelica se nos queda corta, le falta chicha, vuelo lírico, y es inevitable que surjan las comparaciones con todas las grandes que han cantado esto. Kabaivanska y Olivero son las máximas exponentes de lo que se puede conseguir en el Verismo con una voz con un timbre... por así decirlo... ingrato. Caballé en su disco de Puccini es el colmo de la expresividad vía el virtuosismo y la belleza, y Tebaldi y Freni (ya madura en su disco de arias veristas) son la carnalidad italiana pura.

A favor del disco de la Fleming hay que decir que tiene un buen porroncete de arias fuera de repertorio habitual, lo que hace que tenga su atractivo por lo menos como curiosidad. Hay una españolada muy graciosa llamada Conchita y una escena de Zazà de Leoncavallo que es un delirio megacursi, con niña insoportable incluida, que es talmente el Di papá de Rosa Mary y José Guardiola. Imprescindible. Me dan ganas de buscar la grabación íntegra de la ópera, tiene que ser lo más.

Como colaboraciones está el tenor estrella, Jonas Kauffamnn, marcándose con la Renée el dúo final de La Rondine, así en plan brutote, y luego en la escena final de Fedora uno se lleva un susto tremendo: ¿Qué le pasa a la voz de Renée que baja a la ultratumba? Ah, no, es que ha entrado el tenor. Es Arturo Chacón-Cruz, y empasta la voz perfectamente con ella. También se canta las frases de Calaf en el fragmento de Turandot. Voz a tener en cuenta.

Bien. El caso es que el disco tiene su puntito. No tiene los hallazgos que el anterior cd recital de la Fleming pero no está mal. Es larguísimo. Eso de que ahora haya que rellenar los 80 minutos que caben en un cedé para intentar paliar la piratería y compensar el precio de los discos hace que un cedé tipo recital se haga eterno. Hay que escucharlo dosificado si no quiere uno quedarse como cuando te pasas con la sacarina en el café: una sobredosis de algo artificiosamente dulce.

Y viene al Teatro Real en un par de semanas. Huyyyyyyyyyyy.